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Le canzoni più nostalgiche di Max Pezzali: le vostre scelte

Non è un segreto, qui a Smells Like Queen Spirit amiamo festeggiare i compleanni dei nostri artisti preferiti dedicando loro degli articoli divertenti, nei quali raccogliamo curiosità, notizie, e chi più ne ha più ne metta! Oggi però, faremo qualcosa di diverso. Domani Max Pezzali compie 53 anni. Ed abbiamo raccolto le vostre canzoni preferite, per una playlist nostalgica da ascoltare in queste giornate incerte tra mura di casa e sprazzi di mondo esterno. Auguri, Max!

Voce inconfondibile degli 883, al fianco dell’amico Mauro Repetto fino al 2004, per poi proseguire con una carriera da solista, Max Pezzali ha firmato testi su testi diventati inni generazionali. Bastano poche parole e boom!, si viaggia indietro nel tempo.

La nostalgia si mescola ai ricordi, e ci si ritrova a cantare con degli sconosciuti intere canzoni a memoria.

Vi abbiamo chiesto quali fossero, per voi, le canzoni di Max Pezzali che riuscivano a lanciarvi in questa dimensione spazio-temporale così mista e adesso condivideremo le vostre risposte.

Mettetevi comodi, si parte.

Lo strano percorso

…di ognuno di noooooi,

che neanche un grande libro un grande film
potrebbero descrivere mai,

per quanto è complicato
e imprevedibile
per quanto in un secondo tutto può cambiare
niente resta com’è.

Possiamo ammetterlo, l’abbiamo letta tutti cantando.

M. ha scelto questo titolo, ed è iniziato così il nostro viaggio.

Gli anni

Scelta da L. e P., Gli anni riesce in qualche modo ad adattarsi ad ogni generazione. I termini diventano facilmente interpretabili. L’ansia delle responsabilità che arrivano, e dei nostri timori, di non essere all’altezza, di ritrovarsi a superare il limite dei vent’anni e non essere certi di avere quelle sicurezze che bisognerebbe avere. Forse le canzoni, è vero, non sono la risposta ai problemi. Ma ci aiutano davvero a sentirci meno soli.

Nord Sud Ovest Est

V., G., e S. non hanno dubbi: scelgono l’inno del viaggio interiore e non solo. Saltiamo in auto alla ricerca di qualcosa, ma…

…forse, quel che cerco neanche c’è.

Hanno ucciso l’Uomo Ragno

…e chi sia stato, non si sa!

Forse è tra i brani più iconici degli 883. Che voglia di gridare tutti insieme davanti al karaoke, ragazzi!

Grazie S., per averla suggerita.

La regina del Celebrità

Qualcuno è stato davvero al Celebrità? Noi, personalmente no, e nemmeno L. che ha suggerito questo pezzo. Tuttavia, è come se ci fossimo andati tutti. No?

Con un Deca

V. sceglie Con un Deca. Deca, nel gergo giovanile usato alla fine degli anni ’80 e all’inizio degli anni ’90, voleva dire “banconota da diecimila lire”. E non ci si poteva fare poi molto, da adolescenti, se non progetti e sogni.

Con un deca non si può andar via.

E adesso, dulcis in fundo, ecco le canzoni d’amore che avete scelto!

Il mondo insieme a te

M. condivide con noi una canzone d’amore dolcissima e tenera.

Eccoti

V. e F. hanno scelto Eccoti

Una canzone d’amore

Scelta da S., ma quant’è bella questa?

Sei fantastica

Ce la manda V. Abbiamo un sacco di amore da condividere, oggi!

Essere in te

S. ci manda questo pezzo struggente da morire. Se l’intento era farci piangere, ci sei riuscito!

Come mai

R. ha scelto questa canzone, che abbiamo deciso di mettere in chiusura a questo pazzo articolo. Come mai fa parte della nostra cultura, è radicata nelle nostre menti tanto quanto il 5 maggio e la canzoncina usata per ricordare quanti giorni abbia ogni mese, e noi, in tutta onestà, non potremmo esserne più felici.

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Che fine hanno fatto #5 – Intervista a Daniele Groff

Siamo nel 1998. Un venticinquenne trentino con l’aria da bravo ragazzo e la chitarra in spalla si presenta a Sanremo Famosi, kermesse condotta da Max Pezzali con protagonisti quelli che sarebbero stati i partecipanti, nella sezione Nuove Proposte, del Festival di Sanremo 1999. Quel ragazzo si chiama Daniele Groff e quell’edizione di Sanremo Famosi la vince con un brano intitolato Daisy. Il brano unisce rock e melodia, chitarra ruvida e archi, riprendendo in maniera piuttosto evidente il genere del brit-pop, esploso proprio in quegli anni prima in Inghilterra e poi nel resto del mondo. Ho avuto il piacere di fare una chiacchierata con Daniele e di ripercorrere con lui la sua carriera fatta di palchi importanti e collaborazioni straordinarie, ma anche di uscite di scena, pause e progetti ancora in corso.

Cominciamo con una domanda facile: dove sei?
Dopo tanti anni a Roma sono ritornato nel mio luogo di origine, in Trentino, dove ho trascorso la mia giovinezza e dove ho studiato. Sebbene l’offerta in termini di attività culturali sia molto meno variegata rispetto a quella della capitale, sono comunque soddisfatto della qualità della vita quassù.

Fin dall’esordio sei stato accostato al brit-pop, in particolare alla musica degli Oasis, e ascoltando la tua musica viene quasi spontaneo pensare che il tuo sia stato un vero e proprio tentativo (forse l’unico) di importare in Italia queste sonorità. Credi di essere stato inconsapevolmente influenzato dai dischi che hai ascoltato in quel periodo oppure hai consapevolmente scelto di rifarti a questo genere?
Ho cercato di importare in Italia un sound che secondo me non era ancora stato proposto ed è stato un processo molto consapevole, ma anche molto sofferto. Mi è infatti costato un bel po’ di fatica spiegare ai miei collaboratori, ai tecnici del suono e ai discografici come volevo che fossero le mie canzoni. Il genere aveva cominciato ad interessarmi già a 19 anni, complice un viaggio in Inghilterra. Cominciai ad ascoltare i Beatles e poi gli Oasis, i Blur e i Radiohead, gruppi che in Italia venivano considerati un po’ di nicchia, di certo non mainstream. Mi affascinava il mix di rock e melodia di quelle canzoni che avevano la pretesa di uscire dal ‘garage’ e di arrivare alla gente, così ho fatto mio questo genere che in Italia mancava. L’etichetta di artista brit-pop me la sono un po’ cercata, ma devo dire che il continuo accostamento ai fratelli Gallagher da parte della stampa nei confronti di un artista dall’identità ancora in ‘divenire’ è stato, a tratti, pesante.

Hai citato gli Oasis, i Blur e i Radiohead come tue fonti di ispirazione. Ci sono anche artisti italiani ai quali senti di dovere qualcosa?
Sicuramente hanno influenzato la mia scrittura le note che mi arrivavano all’orecchio da bambino, sia dalla radio in macchina che dalla chitarra di mio padre che strimpellava. Dalla, De Gregori e Battisti soprattutto, ma anche Baglioni, Celentano, Iannacci. Tutti cantautori dalle grandi personalità.

Hai calcato, ancora giovanissimo, il palco dell’Ariston. Che ricordi hai di quel periodo?
E’ stata un’esperienza forte sotto molti punti di vista. E’ un palco che mette soggezione anche ai più esperti – e io di certo non lo ero – perché sei consapevole che dietro quelle telecamere ci sono milioni di persone, c’è la gente comune, la stampa, i discografici. Per una settimana è stato come vivere in una bolla, a metà tra un sogno e un delirio, con i fan che ti aspettavano sotto l’hotel e davano vita e vere e proprie scene di isteria collettiva. I ricordi che ho di quel periodo sono bellissimi, ma anche caotici e confusi. Sono comunque molto grato di avere avuto la possibilità di prendere parte a questa grande festa della musica, sebbene credo che all’epoca non fossi pienamente consapevole di quello che stavo vivendo…

E a proposito di consapevolezza: se tu potessi dare un consiglio al Daniele dell’epoca, quale sarebbe?
Altro che ‘no regrets’, come canta Robbie Williams. Darei sicuramente più consapevolezza al ragazzo che ero, perché nella confusione che vivevo non sempre ero presente a me stesso. Cercherei di respirare un po di più e di godermi il momento, ma anche di darmi spazio e tempo di riflettere, di dire anche di no qualche volta. Qualche anno fa ho portato le mie due figlie a un incontro con Fedez e sono rimasto molto colpito dalla sua sicurezza, dal suo sapere esattamente chi era e cosa voleva. Una consapevolezza che io, alla sua età, mi sarei sognato – magari perché per indole sono più sensibile e tendo a farmi trascinare dalle cose.
Per quanto riguarda le scelte artistiche che ho fatto, una parte di me lascerebbe tutto così com’è, un’altra sarebbe curiosa di vedere ‘come sarebbe andata se’. Mi riferisco soprattutto al mio secondo album Bit, in occasione del quale decisi di ‘tradire’ il sound del primo, Variatio 22, perché stanco delle critiche che mi venivano rivolte per la vicinanza agli Oasis.

Ripensando a tutta la tua carriera, qual è la cosa della quale vai più fiero?
Sicuramente i due giorni trascorsi in studio con Lucio Dalla per la scrittura del testo di Lory. Non mi sembrava nemmeno reale, soprattutto perché Lucio mi parlava come se fossimo stati pari, ma io mi sentivo soltanto un suo fan, un ragazzino al cospetto di in un pezzo di storia vivente. Sono fiero anche della mia collaborazione con Renato Zero: lui apprezzava molto la mia musica e mi chiese di aprire i suoi concerti negli stadi di tutta Italia durante le tournée del 2004 e del 2007. Sono state esperienze di live molto forti, insieme a quella del primo maggio 1999, il mio primo vero live. Vado molto fiero anche del mio primo disco, Variatio 22, che mi sono guadagnato con immensa fatica, andando anche contro il volere dei miei che mi avrebbero volentieri visto prendere una laurea perché, si sa, nella musica solo uno su mille ce la fa.

Se dovessi far ascoltare un solo brano a una persona che non ti conosce affatto, quale sceglieresti?
Sicuramente sceglierei tra i miei brani più popolari, nei confronti dei quali nutro un senso di gratitudine perché sono quelli che mi hanno regalato un rapporto con la gente, la possibilità di viaggiare, di esibirmi e cantare con loro. Probabilmente sceglierei Sei un miracolo, un mio piccolo evergreen, oppure Daisy, che in fondo è quella che mi rappresenta di più. Ogni riga del testo è ispirata a un libro, a una poesia o a un momento di vita vissuta.

Dopo il terzo album Mi accordo, uscito nel 2004, ti sei allontanato dal grande pubblico. E’ stata una scelta tua oppure il risultato di contrasti con, ad esempio, l’etichetta discografica?
In realtà ho lavorato a un quarto album che sarebbe dovuto uscire nel 2008, anticipato già nel 2007 dal singolo Prendimi, frutto di una collaborazione con i Fool’s Garden (quelli diventati famosi con Lemon Tree, ndr). Quel singolo uscì nel mezzo di una serie di cambiamenti epocali per l’industria della musica. Cominciavano a ingranare i talent, la musica si cominciava a scaricare, i dischi si vendevano molto meno. I discografici mi rassicuravano, il problema non ero io, ma io mi convinsi del contrario e decisi di prendermi una pausa a tempo indeterminato. Avevo la sensazione che non ci fosse più pubblico disposto ad ascoltarmi e ho preferito non far uscire mai quel disco per non ‘bruciarmelo’. La pausa però è durata più a lungo del previsto. Quando nel 2015 ho fatto un tentativo di ritorno con il brano Bellissima la verità (supportato da alcuni amici romani produttori) mi sono reso conto che il modo di fruire la musica era ormai radicalmente cambiato. Si tende a sottovalutare la storia che il tempo passa…

L’allontanamento dal grande pubblico, tra l’altro, ha riguardato non soltanto te ma tutta una serie di cantautori di fine anni novanta\inizio anni duemila – penso a Luca Dirisio, Simone Tomassini, Paolo Meneguzzi – che nonostante abbiano continuato a produrre, sono rimasti ai margini…
Si sa, la musica è monopolio dei giovani. Ti ricordo che sono passati già vent’anni!

A proposito di giovani, ascolti volentieri gli artisti di oggi?
Grazie alle mie ragazze di diciotto e vent’anni sono rimasto aggiornato sul panorama musicale, che a mio avviso oggi è molto frammentato e ‘citazionistico’, senza particolari icone o elementi di rottura. E’ un grande caleidoscopio con poca caratterizzazione, conosci la canzone ma quasi mai sai chi è che canta. Tutto è suddiviso in playlist e non si ascoltano più i dischi dalla prima all’ultima traccia. Detto ciò, trovo molto interessante Frah Quintale: bella vocalità, testi interessanti e un sound un po’ funk alla Jamiroquai. Apprezzo molto anche il nuovo indie italiano: i TheGiornalisti e Tommaso Paradiso, Coez e soprattutto Calcutta che considero il capostipite di questo nuovo filone, importanza che, in questo senso, definirei già storica. Se mi si presentasse l’occasione, di certo non rifiuterei una collaborazione con uno di questi artisti!

L’ultima domanda è esattamente il titolo della rubrica. Che fine hai fatto? Tornerai?
Ammetto di essere stato a un passo dal mollare, ma sento di avere ancora un debito, come se avessi ancora qualcosa da portare a termine. Non so dirti quando succederà, ma l’intenzione di ritornare c’è, anche se sono consapevole di non avere tutta l’energia che avevo un tempo, necessaria per lavorare a un disco ed eventualmente a una bella tournée. In ogni caso, in questa lunga assenza non ho mai smesso di scrivere, ma anche di riscrivere e perfezionare materiale che avevo già, soprattutto durante il lockdown. Ho delle canzoni che non voglio lasciare nel cassetto e il giorno in cui usciranno saprò che, anche se non sono perfette, rappresentano il meglio che potessi fare.

Facciamo un grosso in bocca al lupo a Daniele per i suoi progetti futuri e speriamo in un suo ritorno! Quale artista ti piacerebbe fosse il protagonista del prossimo Che fine hanno fatto? Faccelo sapere!

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Che fine hanno fatto #4 – Sugarfree

Per questo Che fine hanno fatto? di piena estate, l’ultimo prima della pausa di agosto, vi portiamo nel luogo dove tutti ora vorremmo essere (io per prima, che sto scrivendo questo articolo sotto il cielo perennemente coperto di Rotterdam). Vi portiamo nella nostra splendida Sicilia e già che ci siamo prendiamo la navetta fino ad arrivare al 2005, l’anno in cui un gruppo catanese, nascosto dietro ad un nome inglese, diventa la band rivelazione dell’anno, grazie a un brano pop-rock sull’amore che diventa ossessione, mania, bisogno viscerale. Ovviamente stiamo parlando degli Sugarfree e della loro famosissima Cleptomania!

Gli Sugarfree muovono i primi passi nel circuito dei pub catanesi e inizialmente suonano soprattutto cover di canzoni rock degli anni cinquanta e sessanta. Ben presto vengono notati dalle reti televisive locali e la loro popolarità aumenta a dismisura. L’ascesa comincia con l’incontro con il produttore Luca Venturi e un contratto con Warner Music Italy firmato nell’ottobre del 2004. Il frontman della band, Matteo Amantia, fa il suo ingresso negli Sugarfree solo a contratto già firmato, dopo che frontman originario aveva lasciato la band per problemi personali. Di lì a poco verrà registrato il fortunato brano Cleptomania, scritto dall’autore di Gela Davide Di Maggio e arrangiato dalla band stessa. Cleptomania resterà al primo posto delle classifiche per ben cinque settimane e nella top five per 22 settimane, superando le 60.000 copie vendute e diventando disco di platino.

Il primo album degli Sugarfree, Clepto-manie, esce il 6 maggio 2005 e ancora in prevendita diventa già disco d’oro. Il disco è anticipato dal singolo Cromosoma che la band catanese porta sul palco del Festivalbar 2005. Il Clepto-manie Tour porta la band in giro per lo stivale fino alla fine dell’anno e le sue tappe segnano un successo dopo l’altro. Gli Sugarfree accedono al palco più importante, quello dell’Ariston, nel febbraio 2006. Partecipano al Festival di Sanremo numero 56 con Solo lei mi dà, emozionante brano sulla vita dopo la fine di una relazione. In seguito alla partecipazione al Festival, Clepto-manie viene pubblicato in una nuova versione contenente sia il brano sanremese che l’inedito Inossidabile, con il quale la band partecipa al Festivalbar 2006.

Il 2008 è un anno pienissimo per i ragazzi di Catania, che lo inaugurano con una fortunata collaborazione cinematografica. Il brano Scusa ma ti chiamo amore fa infatti da colonna sonora all’omonimo film tratto dal romanzo di Federico Moccia e diventa uno dei singoli più venduti dell’anno. Gli Sugarfree trascorrono un’altra estate in giro per l’Italia con Aspettando Argento Tour e a settembre esce il secondo album in studio Argento, anticipato da singolo Splendida, già scelto per accompagnare i titoli di coda del film Blind Dating di James Keach, nella sua versione in italiano. Segue a questa collaborazione un mini tour negli Stati Uniti.

Il 2009 è un anno di crisi: il frontman Matteo Amantia abbandona gli Sugarfree per tentare un’avventura da solista (il suo primo disco, Matteo Amantia, esce nell’aprile 2011) e viene sostituito da Alfio Consoli. La stessa cosa accade con il chitarrista Luca Galeano che viene sostituito da Salvo Urzì. Va via anche il tastierista Vincenzo Pistone e non viene sostituito, così la band prosegue in una formazione a quattro. Nonostante il caos di questo periodo la band riceve, nell’agosto del 2009, il premio dell’Italian Fanclub Music Award. I cambiamenti non impediscono agli Sugarfree nemmeno di proseguire nei loro tour. Saranno infatti protagonisti del L’Origine Tour nel 2009 e del In Simbiosi Tour nel 2010. In Simbiosi è anche il titolo del loro terzo disco, il primo della nuova formazione. Vengono estratti i singoli Regalami un’estate e Amore nero.

Il 2011 è l’anno di Famelico, quarto album in studio pubblicato il 6 maggio, anticipato dal singolo Lei mi amò, scritto da Fortunato Zampaglione, già autore del brano sanremese Solo lei mi dà. Ad ottobre, dopo il consueto tour estivo che porta il nome dell’album uscito a maggio, ricevono a Bagnara il Premio Mia Martini speciale. Questa stabilità appena ri-conquistata non durerà a lungo, perché nell’estate del 2012 anche il chitarrista Salvo Urzì decide di lasciare il gruppo. I membri restanti, a questo punto solo tre, decidono di non coinvolgere altri membri fissi e di proseguire comunque con il progetto Sugarfree, concentrandosi soprattutto sui live in giro per l’Italia. Ad accompagnarli nelle tappe dei vari tour, a partire dal 2013, anche il nuovo brano Pura e Semplice.

A sorpresa, nel dicembre 2014, anche il novello frontman Alfio Consoli lascia il gruppo. Il 2015 si apre quindi con un grande ritorno, quello del frontman con il quale gli Sugarfree erano diventati famosi, Matteo Amantia. Nessun nuovo disco in vista per la band, ma una serie di singoli che li accompagnano nei loro live, un’abitudine mai smessa. Nel 2016 esce Ti amo a Milano, nel 2017 Le tue favole e Non basta stare insieme.

Ma dove sono gli Sugarfree oggi? La formazione è, più o meno, tornata ad essere quella degli inizi. Oltre al frontman Matteo Amantia, gli altri superstiti sono Carmelo Siracusa al basso e Giuseppe Lo Iacono alla batteria. Ma c’è dell’altro: il gruppo ha ripreso i contatti sia con il produttore che gli ha permesso di muovere i primi passi, Luca Venturi, sia con Davide di Maggio, autore del loro primo grande successo Cleptomania. Il nuovo singolo degli Sugarfree (in collaborazione con Serena De Bari), uscito a fine 2019, è il frutto di questi ritorni e legami mai spezzati e si intitola, appunto, Frutta. L’instabilità alla base della formazione del gruppo ha sicuramente minato in modo importante la loro produttività nel corso dell’ultimo decennio, ma dobbiamo riconoscere che i componenti sono riusciti a tenersi stretta e a mantenere coerente la loro immagine sempre romantica, appassionata e vagamente anni settanta. Continuiamo a tenere d’occhio gli Sugarfree, hanno sicuramente ancora molto da raccontarci.

Speriamo che questo pieno di nostalgia vi basti fino a settembre! Questo era infatti l’ultimo ‘Che fine hanno fatto’ prima della pausa estiva. Torneremo a settembre cariche di idee e nuovi spunti!

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5 canzoni classiche napoletane diventate leggenda!

La musica classica napoletana è diventata nel corso degli anni un marchio italiano che unisce gli abitanti di tutte le regioni, dal profondo Sud all’estremo Nord del Bel Paese. Sviluppatasi nel corso dell’’800 fino al secondo dopoguerra, ha prodotto un repertorio vasto e ricchissimo.

Chiunque, prima o poi, nel corso della vita si ritrova a cantare alla tavola di un matrimonio una canzone nata nel cuore di Partenope pur non conoscendone le parole! Noi di Smells Like Queen Spirit abbiamo pensato a 5 titoli di canzoni classiche napoletane secondo noi imperdibili, e che non possono mancare nel repertorio di ogni italiano (ed ogni amante dell’Italia, in generale)!

1) Te voglio bene assaje

…e tu non pienze a me!

L’anno di nascita di questo brano è convenzionalmente considerato il 1839, infatti la sua origine ha dato vita a non poche speculazioni. Qualcuno ne riconosce come autore il poeta Raffaele Sacco, altri invece Gaetano Donizetti. I racconti portano questo brano da Napoli a Parigi, e ancora in Norvegia, per un ritorno in Italia nel 1956 con l’orchestra di Pippo Barzizza.

Da molti studiosi di storia della musica viene addirittura considerata la prima vera e propria canzone classica napoletana, che ha dato il via alla lunga lista che arricchisce il repertorio di questo genere. Cantato dalle massaie della città campana, è stato il primo brano della musica napoletana d’autore a partecipare alla gara canora della festa di Piedigrotta, ai tempi, evento prestigioso e attesissimo.

2) Funiculì Funicolà

Di pizzerie con questo nome ne abbiamo viste in tutti i Paesi da noi visitati! E scommettiamo che potete dire lo stesso anche voi lettori.

Ma chi ha scritto il brano forse più famoso della canzone napoletana? La risposta è: il giornalista Giuseppe Turco, nel 1880. A musicarla col motivo che viene in mente a chiunque non appena si leggono quelle due paroline è stato invece Luigi Denza.

L’ispirazione per questa canzone risale al 1879, anno in cui venne inaugurata la prima funicolare del Vesuvio, mezzo modernissimo, per l’epoca, che avrebbe consentito a chiunque di raggiungere la cima del famigerato vulcano.

Fun Fact: Esiste una versione in lingua olandese intitolata Jajem, divenuta una specie di canzone tradizionale dei Paesi Bassi, al punto che ogni anno viene suonata a Scheveningen, l’Aia, il primo di gennaio, mentre migliaia di folli corrono mezzi nudi sulla spiaggia per fare il primo bagno (gelato) nel mare del Nord.

3) Era de Maggio

Una canzone d’amore struggente e malinconica, ad oggi interpretata da nomi nazionali ed internazionali: Roberto Murolo, Mina, Noa, Mika. Si percepisce il dolore dell’addio e la volubilità del tempo, degli amori giovanili.

La canzone nacque da una poesia di Salvatore Di Giacomo, scritta nel 1885, messa in musica dal Maestro Mario Pasquale Costa.

4) O’ Sole Mio

Una canzone napoletana finita su Billboard Hot 100? Ce l’abbiamo, ed è proprio O’ Sole Mio. Incisa da Elvis Presley in inglese, col titolo di It’s now or never, resta in prima posizione dopo il lancio pubblico per cinque settimane. Il brano spopola in tutto il mondo negli anni ’60, ma la sua storia, come potete immaginare, è un po’ più datata.

Il testo risale infatti al 1898, firmato da Giovanni Capurro. La composizione musicale invece fu opera di Eduardo Di Capua.

Le origini di questa canzone si vocifera siano collegate alla reginetta di bellezza Anna Maria Vignati-Mazza.

Ma sapevate che il brano è ancora sotto copyright? Resterà infatti proprietà della casa discografica Bideri fino al 2042!

5) ‘O surdato ‘nnammurato

Che? Riusciamo quasi a vedere i non-campani (e forse anche qualche campano!) storcere il naso.

Non ne avete mai sentito parlare? Beh, vi sorprenderemo!

Questo è il titolo del brano che notoriamente viene riconosciuto come Oje vita, oje vita mia!, vero e proprio timbro di riconoscimento di Napoli, della sua città, e della sua squadra calcistica che, nel 2013, ha dichiarato questo brano, in una versione rivisitata, il proprio inno ufficiale.

Nelle celebrazioni da Roma in giù è un vero e proprio must, si festeggia cantando a squarciagola il ritornello di questa canzone. Le sue origini? 1915. L’autore del testo è Aniello Califano, la composizione musicale è invece firmata da Enrico Cannio.

O’ surdato ‘nnamurato è arrivata sul palco di Sanremo nel 2011, interpretata da Roberto Vecchioni, ma tra gli altri, hanno prestato la voce a questa canzone anche Enzo Jannacci e Massimo Ranieri.

E voi, le conoscevate tutte vero?

Fatecelo sapere in un commento, e magari suggeriteci come ampliare la nostra lista. Quali altre canzoni classiche napoletane sono imperdibili, secondo voi?

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Che fine hanno fatto #3 – Zero Assoluto

Se siete nati intorno al 1990 e siete stati adolescenti all’alba del nuovo secolo è abbastanza improbabile che i vostri primi piccoli problemi di cuore non siano stati condizionati dalla visione di uno degli innumerevoli film di Federico Moccia, o magari dalle canzoni degli Zero Assoluto, che talvolta facevano parte proprio della colonna sonora dei suddetti film. È proprio a questo duo romano che dedichiamo il Che fine hanno fatto di questo mese: ricostruiamo la storia del loro successo e scopriamo cosa fanno oggi Matteo e Thomas!

Il loro sodalizio comincia sui banchi del famoso Liceo classico Giulio Cesare di Roma, dove i giovani Matteo Maffucci e Thomas De Gasperi si incontrano e, accomunati dalla passione per la musica rap, decidono di lavorare a un progetto comune. Per Matteo la musica era già pane quotidiano: suo padre è stato infatti direttore del Festival di Sanremo per circa un ventennio, dal 1982 al 2000. La prima canzone di Thomas e Matteo è parte di una compilation dal titolo Nati per rappare e contiene già un riferimento al nome del progetto che li porterà al successo: si intitola infatti In due per uno zero. Il vero brano d’esordio risale però al 1999 ed è Ultimo capodanno, in collaborazione con il rapper Chef Ragoo. Il video vede protagonisti i calciatori della Roma, compreso il capitano Francesco Totti.

All’inizio degli anni duemila pubblicano alcuni singoli di discreto successo (Come voglio, Magari meno, Tu come stai) e un album, Scendi, del 2004. La vera e propria ascesa del duo comincia quando diventano conduttori della trasmissione Terzo piano, interno B su Hit Channel (oggi RTL 102.5 television). Dalla tv passano alla radio e conducono Suite 102.5, in prima serata dalle 21 alle 24 su RTL 102.5, rimanendo alla conduzione fino al 2008. La loro popolarità nell’ambiente radiofonico e musicale è ormai inarrestabile e nel 2005 esce il singolo Semplicemente che rimarrà in classifica per ben trenta settimane.

Nel 2006 partecipano al Festival di Sanremo nella categoria Gruppi con Svegliarsi la mattina, brano con il quale gli Zero Assoluto accedono alla finale (quell’anno solo otto canzoni su trenta sarebbero finite in finale). Svegliarsi la mattina è il singolo più venduto in Italia nel 2006 e diventa triplo disco di platino. Si aggiudica due dischi di platino anche il singolo successivo, Sei parte di me, con il quale gli Zero Assoluto vincono il premio rivelazione dell’anno al Festivalbar. Il duo è ormai amatissimo in Italia e nel 2007 si prepara a una preziosa collaborazione internazionale, quella con la cantante Nelly Furtado che incide con i due ragazzi romani il brano di grande successo All Good Things (Come to an End). Si esibiscono con la Furtado anche in una delle serate del festival di Sanremo 2007, al quale partecipano con la canzone Appena prima di partire, classificatasi nona. La canzone verrà incisa anche in inglese, insieme alla Furtado, con il titolo Win or Lose, destinata al mercato francese e tedesco.

I successi Semplicemente, Svegliarsi la mattina e Sei parte di me fanno parte dell’album Appena prima di partire, uscito il 2 marzo 2007 e diventato disco di platino con oltre 100.000 copie vendute. Tre brani di quest’album, ovvero Seduto qua, Semplicemente e Quello che mi davi tu vengono inseriti nella colonna sonora nel film Scusa ma ti chiamo amore, tratto dall’omonimo romanzo di Federico Moccia. Il 2009 è un altro anno pieno di highlights per il duo romano: esce infatti, ad aprile, Sotto una pioggia di parole – Appunti disordinati di un disco, il loro primo libro scritto in forma di diario, ma soprattutto esce a maggio il loro terzo album in studio, Sotto una pioggia di parole, che diventa ben presto disco d’oro ed è anticipato dal brano tormentone Per dimenticare. Gli altri singoli estratti sono Cos’è normale e Grazie.

Nel 2010 vengono scelti nuovamente da Federico Moccia per la colonna sonora di un film, stavolta di Scusa ma ti voglio sposare. Negli anni duemiladieci pubblicano ben tre album, ma con nessuno di questi il duo riesce a eguagliare il successo di Appena prima di partire e Sotto una pioggia di parole. Nel 2011 esce l’album Perdermi, anticipato dal singolo Questa estate strana, mentre nel 2014 esce Alla fine del giorno, trainato dai singoli All’improvviso e Adesso basta. Nel 2016 gli Zero Assoluto tornano al festival di Sanremo con il brano Di me e di te, eliminato prima della finale. Di me e di te è anche il titolo del loro sesto album in studio, uscito un mese dopo la fine del Festival.

E’ proprio dall’uscita di Di me e di te che gli Zero Assoluto sono spariti dalla circolazione. In questi anni Thomas e Matteo hanno infatti dato la priorità ad altri progetti, in entrambi i casi nel mondo del digitale. Matteo ha fondato la One Shot Agency, un’agenzia che segue youtuber, instagrammers e affini, ma anche cantanti (ad esempio Alessio Bernabei). Matteo è anche uno scrittore e ha pubblicato nel 2018 il libro Rivoluzione Youtuber, sogni e affari, le star del web si raccontano. Thomas ha invece fondato Mkers, una società sportiva per e-sporters, ovvero giocatori professionisti di videogiochi. Nonostante si stiano dedicando ad altro, gli Zero Assoluto non hanno rotto con il loro passato da popstar né con la musica e questo emerge dal loro profilo Instagram sul quale sono molto attivi. I due non perdono occasione di sottolineare il legame ancora forte con la musica e annunciano persino di avere progetti per il futuro. Non ci resta che attendere pazientemente il loro ritorno!

Direi che anche oggi abbiamo fatto il pieno di nostalgia! Quale artista ti piacerebbe fosse il protagonista del prossimo Che fine hanno fatto? Faccelo sapere!

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La rivincita di Bugo: la recensione del nuovo album “Cristian Bugatti”

Non fatevi ingannare dal suo aspetto mite: dopo vent’anni di carriera nel circuito della musica alternativa, il cantautore novarese si è rotto i coglioni e ha deciso che è arrivato il suo momento

Prima di mettermi a scrivere questo articolo ho fatto un rapido refresh sulla sua vita precedente, prima cioè che avesse la geniale intuizione di partecipare al 70° Festival di Sanremo.

E ho scoperto che Cristian Bugatti, alias Bugo, vanta una carriera ventennale, fatta di canzoni in stile punk-grunge che hanno segnato il passaggio dalla canzone impegnata di fine millennio alla disillusione degli anni 2000. Bugo è stato uno dei primi autori indie della musica italiana e, anche se agli inizi della sua carriera pubblicava album con la Universal Record , non gli è mai fregato niente di diventare famoso. Ha continuato a cantare quello che gli pareva: Ne vale la pena, Pasta al burro e Io mi rompo i coglioni. Nel 2008 arriva la svolta elettronica con l’album Contatti. Il primo singolo estratto è C’è crisi: Bugo inizia a farsi conoscere anche dal pubblico mainstream, ma rimane sempre un po’ in disparte. Negli anni successivi si dà alle arti visive. Abbandona la musica per qualche anno, fino al 2015, quando si rimette a scrivere canzoni e a fare concerti in giro per l’Italia. Ma abbiamo dovuto aspettare Sanremo 2020 prima di capire davvero con chi avevamo a che fare.

Nessuno mi toglie dalla testa che la scena di Bugo che abbandona il palco del Festival, visivamente irritato dall’atteggiamento di Morgan, sia stata una montatura geniale per portare tutta l’attenzione su di un brano che di sanremese aveva ben poco. Ma che Bugo si fosse rotto i coglioni (vuoi per Morgan, vuoi per il pubblico che non lo ha mai capito fino in fondo) mi è diventato palese nel momento in cui ho ascoltato il suo nuovo album.

E qui finalmente vi parlo di questo gioiellino.

Cristian Bugatti. Lo ha intitolato così, semplicemente firmandosi con nome e cognome. Il disco è uscito il 7 febbraio 2020 per la Mescal, etichetta discografica indipendente fondata da Valerio Soave e Luciano Ligabue. Nella foto di copertina Bugo è seduto su una sedia; le braccia penzoloni e il volto serioso non lasciano adito a dubbi: a 47 anni Cristian Bugatti ha deciso che era arrivato il momento di prendersi una rivincita, pubblicando il suo nono album in studio, come nove sono le tracce che compongono l’ album, “classico, ma molto 2020”, ha dichiarato lui stesso alla rivista Leggo.

La tracklist

Quando impazzirò – Non mi ha fatto impazzire la scelta di questa canzone in apertura. Ma il motivetto allegro e le esternazioni nonsense hanno il potere di entrarti in testa e di rimanerci a lungo.

Sincero (feat. Morgan) – In principio fu Morgan a fargli da spalla. Poi, dopo la memorabile lite, Nicola Savino ha preso il posto dell’amico traditore. E, a essere sincera, mi piace pure di più, anche se resterà per sempre impressa nei nostri cuori la versione galeotta di Morgan, che portò all’esclusione dalla gara e all’abbandono del palco da parte di Bugo in diretta televisiva.

Come mi pare – questo brano potrebbe diventare il prossimo tormentone estivo. Bugo sceglie il parlato alla Lucio Battisti e una melodia funk dal vago sapore dance. Il testo è un manifesto di intenti: ballo, mangio, rido e parlo come mi pare. Come piace a me.

Al paese – questa è decisamente la mia preferita. Una piccola poesia di 3.38 minuti nella quale Bugo descrive la vita di provincia, che scorre via tra pettegolezzi e banalità. Eppure, quando si lascia il paese, poi ci si ritrova a guardare l’autostrada sognando di ritornare.

Che ci vuole – Canzone-profezia? Fate voi: Che ci vuole a tirarsela un po’/ basta dire che Sanremo fa cagare/ che ci vuole a diventare famosi/
basta un vaffanculo in tv
.

Fuori dal mondo – Quando l’ho ascoltata la prima volta me ne sono innamorata subito. Una dichiarazione d’amore alla sua donna in pieno stile Bugo. Vi metterà subito di buon umore!

Mi Manca (feat. Ermal Meta) – Lacrimoni dall’inizio alla fine. Probabilmente se fosse andato a Sanremo con questa canzone e con Ermal Meta avrebbe stra-vinto.

Un alieno – In questo brano c’è una semplice ammissione: sono un alieno. Che ci faccio su questo pianeta?/ Sono un alieno/ ma non mi dite che questa è vita/ tra le zanzare e ritmo latino/ il cocktail con l’ombrellino...

Stupido, eh? – La traccia più lunga del disco (6.12 minuti) conclude l’album alla grande. Il riferimento a Battisti (le tastiere, la chitarra, la voce) è ancora più evidente, ma alla fine dell’album sono certa che Bugo vi avrà conquistato con la sua ironia e il non prendersi mai troppo sul serio.

E voi, lo avete già ascoltato? Cosa ne pensate del nuovo album di Bugo?

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Lucio Leoni torna con “dove sei pt.1”

Brillante, eclettico e visionario. Lucio Leoni è il cantautore di cui tutti abbiamo bisogno: riesce a spaziare con ironia e fantasia dalla tradizione popolare al rap, dal folk alla canzone d’autore, approdando a uno stile proprio e riconoscibile che sintetizza poesia, teatro-canzone e sperimentazioni sonore.

Se siete alla ricerca di un disco che vi conquisti sin dal primo ascolto e in cui ritrovarvi, allora Dove sei pt. 1 farà sicuramente al caso vostro. Anticipato dal singolo Il sorpasso, Dove sei è il capitolo finale di una trilogia iniziata con Lorem ipsum – Gli spazi comunicativi (2015) e proseguita con Il lupo cattivo – Il bosco da attraversare (2017). Questa volta la scelta del titolo dell’album non ci fornisce alcuna indicazione sul suo contenuto: nessun segno di interpunzione, né un sottotesto con riferimenti spaziali. Ma ascoltando i brani del nuovo album di Lucio Leoni sono tantissime le domande che mi viene voglia di fargli: in attesa dell’uscita di Dove sei pt.2 ( autunno 2020) lo abbiamo intervistato e ci ha raccontato i retroscena del suo nuovo lavoro. Mettetevi comodi!

Dove sei è una domanda provocatoria o una risposta artistica? Mi piace lasciare molto spazio all’interpretazione di chi mi ascolta. Dal mio punto di vista questo titolo è una risposta a tutte le domande che ci sono dentro, ma è comunque un gioco provocatorio, perché le risposte che do io non sono altro che ulteriori domande…

Allora adesso te lo chiedo io. Dove sei? Bella domanda! E’ buffo, perché magari fino a due mesi fa avevo un’idea più precisa, ma adesso è cambiato tutto e bisognerà abituarsi a ritmi e giornate diverse, per cui è tutto un po’ da ripensare. Diciamo che artisticamente, arrivato ai 40 anni, credo di essere a un punto in cui comincio a identificare una sorta di stile e ad avere chiari i miei punti di forza e i miei punti deboli.

Sui social hai simpaticamente scritto “In piena fase 2 esce Dove sei pt. 1. In piena fase 3 uscirà Dove sei pt. 2. Sempre un passo indietro”. Ti senti sempre un passo indietro a tutto il resto? E’ il mio modo per dire “resto umile” che va tanto di moda e mi fa ridere tanto. Mi piace sdrammatizzare sempre su tutta la linea, cerco di non prendermi mai veramente sul serio. Nonostante la musica abbia un’importanza gigante nelle nostre vite alla fine non dobbiamo mai dimenticare che è sempre un gioco.

Nel tuo album hai collaborato con C.U.B.A Cabbal, Francesco di Bella e Andrea Cosentino. Come sono nate queste collaborazioni? Andrea Cosentino è un amico che conosco da tempo. Mi è capitato di vedere un suo spettacolo nel quale snocciolava questo monologo che è il testo di Mi dai dei soldi. Ne sono stato folgorato subito e a fine spettacolo gli ho detto che il testo era clamoroso e volevo farne una canzone. Anche Francesco è un amico, ci conosciamo da un po’ di anni. Mi serviva una voce che avesse una profondità infinita e la sua era perfetta per Dedica. Il fatto che abbia voluto partecipare mi ha reso davvero orgoglioso. C.U.B.A invece non lo conoscevo, ma sono un grande amante della cultura hip hop e lui è uno dei miei idoli adolescenziali. Dopo aver trovato il suo numero (in maniera molto losca) l’ho chiamato e gli ho chiesto questo favore. Evidentemente si sarà mosso a compassione, perché sennò non si spiega…

In che senso hai trovato il numero in maniera losca? Tramite “amici di amici, di amici, di amici”… il metodo delle grandi separazioni!

Ne il Sorpasso, Dedica e Atomizzazione riprendi dei temi già presenti in A me mi: c’è questa presa di coscienza dell’essere diventati adulti (ma non troppo) e di essere un nativo analogico che vive tra nativi digitali, ma non è (di fatto) né l’uno e né l’altro. Secondo te, questa generazione di mezzo alla quale anche tu appartieni è più privilegiata (perché ha una visione delle cose più ampia) o è semplicemente più sfigata (perché è un ibrido)? Siamo sicuramente una generazione super fortunata, ma a ogni decade ci è cascato il mondo intorno. Quando avevo 10 anni è stato abbattuto il muro di Berlino, a 20 sono venute giù le Torri gemelle; a 30 anni è esplosa la più grande crisi finanziaria e adesso, alle soglie dei 40 è arrivata la pandemia. Forse non siamo una generazione fortunata dal punto di vista della stabilità del processo socio-economico, ma non mi sento di dire che siamo sfortunati, perché dopotutto viviamo in maniera privilegiata rispetto ad altre generazioni.

Come hai vissuto questo periodo di quarantena e quale futuro vedi per la musica? L’ho vissuto con fatica, è stato un periodo in cui non sono riuscito nemmeno a mettermi in una posizione ricreativa e produttiva. Per il futuro sono un po’ preoccupato, credo che ci troveremo tutti ad affrontare delle lotte per ricostruire un tessuto collettivo del mondo dello spettacolo. Sarà dura, ma si dovrà cominciare a discutere di politica della musica e di forme di tutela che di fatto non ci sono: la pandemia ha solo rivelato queste falle nel sistema.

La prima parte del disco è uscita l’8 maggio 2020. La seconda parte arriverà in autunno. Come mai hai deciso di dividere l’uscita del disco in due parti? La decisione di dividere l’album nasce dalla necessità di alleggerire e spezzare il disco, che poteva risultare un po’ troppo prolisso nel suo insieme. Abbiamo quindi pensato di spezzare l’album per conferire maggior respiro e lasciar sedimentare le canzoni un po’ di più.

Cosa dobbiamo aspettarci dalla seconda parte del disco? Il disco è concepito come unico, anche se diviso in due parti, quindi le tematiche e gli immaginari sonori saranno simili. Ma ci sono delle canzoni molto belle che mi è dispiaciuto non poter tirar fuori adesso, perciò sono molto curioso di vedere come verranno accolte.

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Mia Martini, nel ricordo di Mimmo Cavallo

Discovery Woman è la rubrica dedicata alle artiste più rivoluzionarie e che hanno lasciato un’ impronta indelebile nel mondo della musica. Questo mese è dedicato a Mia Martini: a 25 anni dalla sua scomparsa, oggi ripercorriamo le tappe più significative della sua carriera, grazie anche al ricordo di un suo caro amico, il musicista e cantautore Mimmo Cavallo.

Il primo ricordo che ho di Mia Martini risale all’infanzia. Una Fiat Uno rossa e un’ autoradio con la sua voce, mentre la piccola Monica canta tutte le sue canzoni a memoria. Poi ho anche un ricordo di quel 14 maggio 1995, quando fu data la notizia della sua morte al TG, dopo due giorni dall’avvenimento; sentivo i miei genitori parlarne con dispiacere e percepivo parole come “maldicenza” e “sfortuna” che arrivavano alle mie orecchie di bambina come sussurri. All’epoca non capivo i significati di queste parole, per me contava solo la voce di quella donna che avrei scoperto e amato qualche anno più tardi.

Quella donna era Mimì Bertè, nata l’ultimo giorno d’estate del 1947 a Bagnara Calabra, un piccolo paese di mare sulla costa calabrese. E basterà che voi teniate a mente queste due cose per capire che artista fosse Mimì: una voce temprata dal sale del mare, un’intensità interpretativa paragonabile alla nostalgia che ti assale quando finisce l’estate e la passionalità bruciante di una donna del sud, come il sole di luglio nelle ore più calde del giorno.

Mimì esordisce negli anni 60 come cantante yé-yé. Ma negli anni 70 è l’incontro con il produttore Alberigo Crocetta, fondatore del Piper, a segnare la grande svolta di carriera. Mimì smette gli abiti leggeri da ragazzina pop e diventa una gipsy girl. Crocetta le cambia anche il nome, non più Mimì Bertè ma Mia Martini. Nasce una stella: nel 1971 partecipa al Festival di Musica d’Avanguardia e Nuove Tendenze di Viareggio e ottiene la vittoria sulla PFM con la canzone Padre davvero.

Dalla Woodstock italiana al riconoscimento mondiale il passo è breve. Mia è inarrestabile, vince tantissimi premi e ottiene riconoscimenti anche in Giappone. Duetta con Charles Aznavour e instaura un sodalizio artistico e sentimentale con Ivano Fossati. Sono gli anni in cui Mia è all’apice del successo, ma a un certo punto qualcosa s’inceppa. La sua voce sparisce e nel 1980 subisce due interventi alle corde vocali, che modificheranno per sempre il timbro, diventato più roco e profondo ma più vicino al suo nuovo stile: non più zingaresco ma sobrio e mascolino. Un anno di assenza dalla scena, ma Mimì non si ferma e incide nuove canzoni. La sua partecipazione al Festival di Sanremo nel 1982 avviene in grande stile: con una canzone di Fossati, E non finisce mica il cielo, Mia Martini non vince, ma si aggiudica il Premio della Critica, inventato per lei proprio in quell’ occasione. Ma l’anno successivo decide di ritirarsi definitivamente. Qualcuno nell’ambiente musicale mal tollerava il successo dell’interprete calabrese, e già negli anni 70 aveva alimentato dicerie su presunti eventi negativi, capitati a persone che avevano a che fare con Mia. Le maldicenze erano diventate a tal punto insistenti, da minare la sicurezza ottenuta dai numerosi riconoscimenti nazionali e internazionali. Mia inizia a convincersi di portare davvero sfortuna e la sua autostima cade a pezzi: nel mondo dello spettacolo tutti pensano che porti “jella” e si tengono alla larga da lei. Ma qualcuno, invece, le resta accanto: Mimmo Cavallo, musicista e cantautore (nonché autore per Fiorella Mannoia, Zucchero e Loredana Bertè – solo per citarne alcuni) instaura con Mimì un rapporto di amicizia sincero, nel momento in cui tutti le voltano le spalle.

Mimmo, com’è avvenuto il primo incontro con Mia Martini?

Non mi ritengo un fatalista, ma ti racconto alcune belle coincidenze che sono avvenute prima che ci conoscessimo personalmente. Alla radio un giorno ho ascoltato “Padre davvero”, e ne sono rimasto folgorato. Ma ero solo un ragazzo, percepivo l’intensità di quel brano d’autore e la sua carica viscerale, ma non riuscivo a spiegarmi il perché di quel turbamento. Dopo molti anni vado a Roma per incidere il mio primo disco. Un amico mi convince a partecipare a una festa che si rivela una grande delusione. Mi ritrovo circondato da persone anziane, che recitano poesie e mangiano spaghetti in piedi, ma noto una giovane ragazza sui 18 anni che cattura subito la mia attenzione. Mi avvicino a lei e iniziamo a fare conversazione. Scopro che quella ragazza attraente è Olivia, la sorella di Mimì e le chiedo subito il numero di telefono. Ero intenzionato a conquistarla! Passano i giorni e finalmente, quando mi decido a telefonarle, mi accorgo di aver perso il numero…

Una storia d’amore finita ancor prima di cominciare…

Proprio così! Nel 1979 ero in studio per registrare il mio album “Siamo meridionali”. Dall’altra parte del vetro, mentre stavo cantando, vidi entrare una signora con un cagnolino in braccio che si sedette in un angolo ad ascoltarmi. A registrazione finita, chiesi al mio produttore Antonio Goggio -ma chi è quella donna?- La sua risposta mi lasciò di sasso: -E’ Mia Martini- Fu quella l’ occasione in cui finalmente ci presentammo. Ne nacque subito una bella amicizia, oltre all’occasione di lavorare insieme: infatti partecipò a tutti i cori di quel mio primo disco. In due mesi di lavoro, però, ebbi modo di notare che in presenza di Mimì tutti i musicisti si dileguavano con le scuse più varie. In sua assenza, invece, tutti si organizzavano per andare a mangiare insieme durante la pausa pranzo. Era così palese questo comportamento che mi venne spontaneo chiedere a Goggio come mai tutti si comportassero così nei confronti di Mia. Fu in quel momento che scoprì le ignobili dicerie sul suo conto.

Quando il vostro rapporto di amicizia è diventato più profondo, sei riuscito a capire cosa ti attraeva di lei e del suo modo di lavorare?

Quello che mi piaceva di lei lo avevo inizialmente intuito da ragazzo, al primo ascolto in radio di Padre davvero. La sua forza interpretativa era senza pari, ma lavorando al suo fianco ho avuto anche modo di percepire il suo mondo interiore e mi ci sono riconosciuto: lei aveva tutto un mondo magico ed esoterico che appartiene a tutti i figli del sud. Si tratta di un retaggio antico, fatto di “conti”, fiabe e favole, come quelle che ci raccontavano le nostre nonne davanti al camino. Questo mondo agro-arcaico che ci accomunava ci ha subito messi in sintonia. Un giorno mi chiese di fare una canzone sulla luna e io le scrissi un pezzo che spero venga inciso, perché mi hanno detto che esiste un provino che ancora non è venuto alla luce. Lei era davvero un’artista a tutto tondo, era fenomenale, ma i discografici (a torto!) la consideravano una semplice cantante.

Secondo te lei ha sofferto più per il suo sfruttamento commerciale da parte dei discografici o per le malelingue che la tormentavano?

Sicuramente per le malelingue, da quelle non c’è scampo. Lei ha subìto la cosiddetta”jettatura”, le si è incollata addosso quell’etichetta infame di jettatrice e a un certo punto ha iniziato a convincersi davvero che portasse sfortuna. Ha perso tutte le sue sicurezze e si è isolata sempre di più, quando invece aveva bisogno di circondarsi di persone che le volessero bene davvero e la rispettassero come persona. Nonostante tutto, quando è tornata a cantare, Mia lo ha fatto come sempre alla grande. Ricordo che gli ultimi quattro concerti prima della sua morte abbiamo fatto il botto di pubblico. Era in forma, ma le cicatrici che si portava dietro sono venute presto a riscuotere il conto di quegli anni trascorsi in isolamento.

Cosa ricordi dei suoi ultimi giorni?

Ricordo che si sentiva invincibile, ma la realtà era ben diversa. Il mio rimpianto è quello di non averla aiutata durante il trasloco. Pochi giorni prima che morisse, si era trasferita a Cardano del Campo. Nessuno di noi ha pensato di aiutarla con tutti quegli scatoloni. Si sarà sentita persa. E sola. Probabilmente anche solo una telefonata avrebbe potuto fare la differenza. Purtroppo lei non aveva un affetto fisso, mi diceva sempre che aveva bisogno di radici, di sentirsi radicata. Insomma aveva bisogno di sentirsi amata.

Qual è il ricordo più bello che ti viene in mente quando ripensi a lei?

Loredana e Mia a Roma avevano un amico mecenate, proprietario di una casa bellissima. In sua assenza, una sera io e Mia siamo in questa casa pronti per cenare. A un certo punto la sento parlare al telefono di vestiti da sposa e le chiedo chi sia. Mimì mi sussurra: “E’ mia sorella Olivia, si sposa!”. A quel punto le chiedo di passarmela. Il pallino di Olivia mi era sempre rimasto, ma Mia non ne sapeva nulla. “Ma la conosci?” Le dico di si, e la convinco a passarmela. “Pronto, Olivia, ti ricordi di me? Sono Mimmo Cavallo, ci siamo conosciuti a quella festa noiosa, tanti anni fa”. Olivia mi risponde secca: “No. Me ripassi mi’ sorella?” Dopo quella pessima figura Mimì mi ha preso in giro per giorni, e mi ha detto di non ripeterle più la storia della festa. Qualche tempo dopo ci siamo ritrovati tutti a Taranto e dopo le prove siamo andati a mangiare in un ristorante. In quell’ occasione c’era anche Olivia con il marito. Mimì mi mise subito in guardia: “Guai a te se ritiri fuori quella storia dove hai conosciuto mia sorella!”. Ci mettiamo seduti e a un certo punto della serata esordisco con “Senti Olivia, devo dirti una cosa…” Mia stava per interrompermi, ma ho continuato: “Olivia, ma ti ricordi di quella signora bionda che ci ha chiesto ventimila lire per partecipare a quelle serate tra artisti?” Mia, a quel punto, è scoppiata in una risata fragorosa e ha detto: “Ma quella era mia madre!”

Adesso, però, tocca a voi dire la vostra: amate Mia Martini? A quale canzone siete particolarmente affezionati?

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Napoli Liberata

9 maggio. Un motivetto fischiettato si è legato inscindibilmente a questa data, ed in qualche modo l’ha resa simbolo di una celebrazione di Napoli, che in quelle poche note ha recuperato la dignità di essere. Per questo, oggi, abbiamo deciso di dedicare un articolo a Liberato, l’anonimo cantante in felpa scura che sta spopolando sul web da ormai tre anni.

Una rosa bianca su sfondo nero. Si firma così, e nessuno ne conosce il volto.

Liberato compare per la prima volta il 14 febbraio del 2017. Cattura l’attenzione di una fascia di ascoltatori, e nel corso di quello stesso anno, mentre i suoi pezzi a poco a poco acquistano una popolarità sempre maggiore, il volto di questo giovane cantante resta un mistero.

Speculazioni sulla sua identità non tardano ad ammassarsi, le correnti di pensiero si spaccano tra loro, alimentate dalla confusione e da abili giochi probabilmente ideati dal management dell’artista: sarà Calcutta? Livio Cori? Esiste davvero Liberato?

Passano i mesi, nessuno lo scopre. Iniziano le esibizioni dal vivo, e durante tutti i suoi concerti Liberato è accompagnato sempre da diversi sosia, che ne impediscono l’identificazione. Persino durante il suo spettacolare ingresso al primo concerto in assoluto, 9 maggio 2018 (e chi scrive, quel giorno, era presente), Liberato raggiunge il palco allestito a Napoli, sul Lungomare, tramite una barchetta, sulla quale però non viaggia da solo: insieme a lui, infatti, ci sono altri cinque “Liberato”, rigorosamente in felpa e a viso coperto.

In un’unica intervista, concessa a Rolling Stones tramite e-mail viene confermato il suo nome e la città natale, Napoli. Tutto qui. L’anonimato viene conservato con aura sacralità.

Ed anche noi di Smells Like Queen Spirit rispetteremo questa sacralità.

Oggi, infatti, non discuteremo del giallo che a tutti i costi mira a smascherare il volto nascosto sotto il cappuccio dell’ormai iconica felpa scura, no. Oggi parleremo del motivo per cui Liberato è essenziale per la rivalutazione di Napoli e della Campania, per la visione sia intrinseca che estrinseca di questa regione.

La storia di Napoli, di glorie storiche passate, di esoterismo e poesia, perde rovinosamente gli splendori antichi a partire dall”800. In seguito all’Unità d’Italia, quelle pagine di fasti si arricchiranno di rovinosi dissesti, organizzazioni e gestioni disastrose, così come un po’ dovunque in tutto il Sud del nostro Paese.

Nell’immaginario comune, Napoli è troppo spesso legata a preconcetti e pregiudizi. C’è crimine, immondizia, c’è paura, povertà. C’è sole, mare, pizza, cuore. Gente retrograda, pigra.

Macchiette che si appiccicano alla nostra provenienza, che delegittimano il diritto di essere individui con le proprie peculiarità.

Certo, purtroppo, queste considerazioni sono radicate un po’ dovunque, sia fuori dai confini campani che al proprio interno.  

Ma perché ne parliamo su un magazine musicale? In che modo Liberato e la sua musica elettronica indie-pop e catchy si legano a questo discorso?

Perché Liberato e la sua musica elettronica indie-pop e catchy hanno restituito a Napoli il rango di città reale. Come?

Testi che recuperano letterature passate e presenti, e che a tratti ricordano le ambientazioni all’interno delle Leggende Napoletane raccolte da Matilde Serao, che raccontano storie magistralmente portate alla vita dai video-clip eccezionali diretti da Francesco Lettieri.

Sullo sfondo di paesaggi magnifici, i personaggi di diversa astrazione sociale ritratti, ora con crudezza, di tanto in tanto volgarità, sopra ogni cosa ostentano una disarmante normalità.

In che modo? Non ritraendo altro che banale, banalissima vita quotidiana.

La vita di chiunque. Dell’uomo comune. Che non è speciale, non è unico, è uno fra tanti.

Ed essere uno fra tanti è un enorme lusso, e a Napoli, ai “personaggi di Napoli”, brutalmente depauperati dell’essere da sé, in funzione dell’essere-in relazione allo stereotipo, questo lusso non era concesso.

Ma Liberato ha cambiato questa condizione.

Perché in quei testi, in quei video-clip, finalmente Napoli smette di essere antologia di stereotipi e riacquista la dignità di una città vera, una città in cui si vive e si ama, si odia, si sbaglia. Scevra dai dettami di chi la vorrebbe una città di assoluta povertà o assoluti sorrisi, di crimini e scippi o sole e mare, questa Napoli fischia, si rivela, mentre il suo menestrello resta a volto coperto, suggellando un’alleanza mirata alla liberazione totale da quei clichés stucchevoli e melensi che ne vedrebbero solo lati positivi o al contrario negativi.

Il potere della musica si manifesta riverberando ed imponendosi anche sull’immaginario comune. È il miracolo dell’arte, e l’arte opera attraverso vie superiori.

Con la sua musica neppure troppo elaborata, non così complessa, non così aulica, Liberato ha liberato Napoli, e noi per questo lo ringraziamo. A volto scoperto.

A nome di tutti i figli di Partenope, quelli vicini e quelli lontani.

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Che fine hanno fatto #2 – Luca Dirisio

Ci vuole calma e sangue freddo\ Calma, yeah…’. Non ditemi che non l’avete letta cantando! Era il 2004 e Luca Dirisio era letteralmente ovunque tra radio, Festivalbar e palchi sparsi in giro per l’Italia. Riuscii a beccarlo per ben due volte e, fidatevi, per una quattordicenne del 2004 vederlo dal vivo era davvero il massimo che si potesse avere dalla vita. A grande richiesta, in questa seconda puntata di Che fine hanno fatto, ripercorriamo la carriera di questo artista abruzzese che, contrariamente a quanto si potrebbe pensare, non ha affatto appeso la chitarra al chiodo!

Luca, nato a Vasto nel 1978, si avvicina alla musica nella prima adolescenza, imparando a suonare la chitarra e cominciando da subito a scrivere i primi pezzi. E’ una lunga gavetta la sua ma nel 2003 porta a casa il premio del Summer Live Festival. Da lì in poi, un’ascesa che pare inarrestabile: viene notato da Giuliano Boursier, produttore che ha collaborato con grandi nomi della musica italiana (Loredana Bertè e Riccardo Fogli, solo per citarne qualcuno). Il singolo Calma e sangue freddo diventa il tormentone dell’estate 2004 e Luca si aggiudica il premio del Festivalbar come Artista rivelazione dell’anno. Esce quell’autunno il suo album di debutto Luca Dirisio, diventato disco di platino, dal quale vengono estratti i singoli Il mio amico vende il tè, Usami e Per sempre.

Nel 2005 ‘assaggia’ il palco del Festival di Sanremo, esibendosi insieme a Paolo Meneguzzi in Non capiva che l’amavo durante la serata dedicata ai duetti. Si ripresenta all’Ariston l’anno dopo, questa volta in gara nella categoria Uomini, con il brano Sparirò, struggente ballad sulla fine di un amore. Luca viene eliminato ma la canzone riscuote notevole successo. Esce l’album La vita è strana che contiene, oltre a Sparirò, anche La ricetta del campione e L’isola degli sfigati, brano in cui il cantautore ironizza sui reality show (in particolare L’isola dei famosi, programma al quale Luca prenderà parte nel 2011). Fa parte dell’album anche il brano Se provi a volare, la versione italiana di Breaking Free, colonna sonora del primo High School Musical.

Il terzo album, 300 all’ora, esce nel 2008. Dall’album vengono estratti solo due singoli, Magica e Fragole, ciliegie e miele. Si tratta dell’ultimo disco che l’artista pubblica sotto l’etichetta Sony BMG. Dal 2009 Luca Dirisio si avvicina a uno stile più brit pop e avvia una collaborazione con l’etichetta discografica Ultrasuoni e con il produttore svedese Martin Terefe, uno dei migliori 10 produttori del mondo secondo Billboard (ha lavorato con Train, Craig David e James Morrison). Il primo frutto di questa collaborazione è il singolo Nell’assenzio che esce a fine luglio 2010 e diventa highest climber secondo Music Control, ovvero la new entry più alta della settimana per numero di passaggi e incremento di ascolti in radio. Il singolo fa parte dell’album del 2011 Compis (A Pretty Fucking Good Album), pubblicato sotto l’etichetta Compis Factory. Vengono estratti successivamente i singoli La Pazienza e La Musica è in Coma.

Nel 2012 scrive il singolo di debutto della band Fourone, Oggi ho conosciuto te, incisa a novembre dello stesso anno. A luglio pubblica con Universal il singolo estivo Dentro un’altra estate e a novembre, in free download, il brano Non esistono. Da questo momento in poi Luca prende un pausa di ben 4 anni. Torna alla carica nel 2016 con un tour europeo sotto l’agenzia Rock Concerti e pubblica il singolo Come neve, prodotto da Ketra e Takagi (gli stessi di Roma-Bankok e Vorrei ma non posto, vi dicono niente?). Nel 2017 esce il toccante brano sul tema del femminicidio, Mentre te ne vai.

Tra Compis e il nuovo album in studio passano ben 8 anni, ma l’attesa vale il risultato: Bouganville, uscito a ottobre 2019, è decisamente un ritorno in grande stile, anticipato già a marzo dal singolo La mia gente, un brano intenso e grintoso dedicato alla forza del popolo abruzzese (qui il video musicale). Sul brano Luca dichiara: ‘Questa canzone è la voce degli abruzzesi che urlano sotto le macerie dell’Aquila e di Rigopiano, è la voce e il coraggio della brigata Majella durante la resistenza, ma anche, anzi soprattutto, la voce della gente comune che si rialza e non si arrende, la voce di un cantautore abruzzese che crede e ama tutto questo’. Segue, a fine agosto, il brano Come il mare a settembre.

Il nuovo album Bouganville è dedicato a un amico dell’artista scomparso prematuramente ed è prodotto dal Giuliano Boursier dei primi tre album. Ritroviamo in questi nuovi brani un Luca fedele a sé stesso e nel contempo decisamente maturato (dopotutto ormai ha 41 anni), ma soprattutto un cantautore che ha ancora parecchio da raccontare.

E voi ascoltavate Luca Dirisio? Cosa ne pensate del suo nuovo progetto?

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