Archivi categoria: musica internazionale

Le recensioni di SLQS: ’10 Songs’ dei Travis

L’articolo di oggi è dedicato a una band molto sottovalutata in Italia, ma amatissima nel Regno Unito. Stiamo parlando dei Travis, band britpop nata a Glasgow agli inzi degli anni novanta, il cui successo esplode letteralmente grazie a Sing, un brano del 2001 diventato un vero e proprio tormentone. Molti di voi ricorderanno la canzone per l’irriverente video musicale in rotazione su Mtv, in cui le chiacchiere di una formale ed elegante cena si trasformano in rabbiosi lanci di cibo. La band acquisisce visibilità nel Regno Unito, in piena Oasis-mania, con l’album Good Feeling del 1997. Proprio per gli Oasis aprono una serie di concerti e Noel Gallagher si dichiara da subito loro fan. Da allora ad oggi molto è successo: collaborazioni con artisti del calibro di Paul McCartney, tour mondiali da record (quello che seguì l’uscita di The Man Who contava ben 237 date in giro per il mondo!) e naturalmente tanta splendida musica. Il 9 ottobre sono ritornati con l’attesissimo 10 Songs ed io non potevo fare altro che correre ad ascoltarlo.

10 Songs è esattamente come me lo aspettavo. Metterò da parte i tecnicismi, perché credo che il sound di questo disco si possa descrivere perfettamente con un’immagine, quella di un viaggio malinconico verso casa, al caldo nella coupé di un treno mentre fuori fa freddo. Per la prima volta dal 2003 il frontman della band, Fran Healy, assume pieno controllo sui testi e il risultato non delude affatto.

Il disco si apre con Waving at the Window, il cui unico difetto è quello di essere stata messa proprio come prima traccia. E’ senza dubbio il pezzo più forte dell’album, di quelli che per riprenderti dall’ascolto ci metti un po’ (e forse per questo l’avrei vista meglio come ultima traccia). Splendido il pianoforte, splendido il testo che, se hai detto addio a qualcuno almeno una volta nella vita, ti ridurrà lo stomaco a brandelli (All the days without you, I’m gonna wake/ All the plans without me, you’re gonna make/ Give it another chance, give it another go/ Don’t wanna see you waving at the window).

La tracklist prosegue con un duetto, quello con Susanna Hoffs, voce di The Bangles. Il titolo è The Only Thing e la voce calda di Susanna contribuisce sicuramente a dare carattere a questa canzone d’amore che sembra figlia di altri tempi. La traccia numero tre, una delle poche passata dalle radio italiane, si chiama Valentine ed è, con il crescendo che la caratterizza e le sue chitarre insolenti, in netto contrasto con la traccia precedente. Ma è soltanto una parentesi, perché con Butterflies torniamo a sederci nella carrozza del nostro treno per riflettere sulle occasioni che non abbiamo avuto il coraggio di sfruttare, mentre gli anni sono scivolati via (‘Cause you’re still chasing butterflies/ Watching all the years roll by).

A Million Hearts è un altro highlight del disco: ancora una volta è la melodia del pianoforte a farla da padrone e, ancora una volta, si parla di un addio (‘You’re one in a million hearts/ Letting go of you is tearing me apart). A questo punto arriva A Ghost, che a mio avviso non è solo uno dei migliori brani di questo disco ma anche dell’intera discografia dei Travis: se li avete amati agli inizi del secolo in The Man Who e in The Invisible Band, con questo brano tornerete a innamorarvi di loro. Menzione speciale per le linee di basso (alle quali, lo ammetto, sono particolarmente sensibile). Il fantasma del titolo è quello che si riflette nel nostro specchio e che ci costringe a fare i conti con il nostro passato, con quello che abbiamo nascosto, omesso e taciuto (All my past is shoring up/ Beating on my door won’t stop/ Couldn’t lie so I made it up/ And I can’t even say why). A consolarci arrivano le chitarre della dolcissima All Fall Down, che ci ricorda quanto sia ostinato l’amore vero.

La traccia numero otto, Kissing in the wind, è il classico brano che ci si aspetta dai Travis e che riassume un po’ tutti i motivi per cui ci piacciono. Penultima canzone dell’album , Nina’s Song, è una ballad che sembra non appartenere a nessun epoca, di quelle piene ma costruita su un vuoto immenso, quello causato dalla mancanza di un padre. Fran Healy confessa di avere avuto questa canzone dentro di sé per molto tempo, essendo cresciuto soltanto con sua madre. I temi della mancanza, dell’addio, della perdita e del vuoto sembrano attraversare a occhio e croce tutto 10 Songs. Eppure, l’ultimo brano, No Love Lost, pur riprendendo il mood dell’intero disco (complice il pianoforte) sembra lasciarci negli ultimi versi un messaggio di speranza, mettendo da parte tristezze, rabbie e rancori e ricordandoci che sono le circostanze e il tempo, immense rispetto a noi gocce di pioggia, a determinare la nostra traiettoria.

Three drops on a window pane
Just rolling down together
No fear, no regret, no shame
Just under the weather.

E tu hai ascoltato questo disco? Qual è il tuo brano preferito? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

5 curiosità su Bryan Adams

Auguri, Bryan Adams! La star canadese ieri ha spento 61 candeline sulla sua torta di compleanno. E noi di Smells Like Queen Spirit, che lo amiamo, abbiamo deciso di dedicargli l’articolo di oggi mettendo insieme queste 5 curiosità su di lui. Se anche voi siete fan di brani come Heaven, Summer of ’69, ed (Everything I Do) I Do it For You, mettetevi comodi e scopritele tutte!

1) Bryan Adams è vegano da oltre 30 anni

Come Joaquin Phoenix, Mayim Bialik (la Amy Farrah Fowler in ‘The Big Bang Theory’) e Pamela Anderson, anche Bryan Adams è un fermo sostenitore dello stile di vita vegano. I fan che imitano la sua politica attribuiscono il suo bell’aspetto giovane proprio alle sue scelte alimentari. Cerca di sensibilizzare quante più persone possibili sul tema, tanto che lo scorso dicembre ha intrapreso un viaggio in giro per il mondo, proprio per diffondere il suo messaggio ed invitare il pubblico ad abbracciare il veganesimo.

2) Click!

Bryan non è solo un grande artista musicale. In questi anni la sua fama si è affermata anche in quanto stimato fotografo. In questa carriera parallela alla musica, ha ritratto diversi nomi piuttosto importanti dietro il suo obiettivo: la supermodella Naomi Campell, la celebre Jennifer Aniston e, indovinate un po’, persino Sua Maestà Elisabetta II! Pazzesco, vero?

3) Cinema? Sì, grazie, ma solo se è di un certo spessore!

Ebbene sì, oltre ad essere un fotografo ed un musicista, Bryan Adams è anche un attore. Infatti, ha preso parte a ben due diverse pellicole: Pink Cadillac, film del 1989 di Buddy Van Horn, in cui Bryan ha recitato al fianco di Clint Eastwood, e, anche se per brevi apparizioni, Jim Carrey; e House of Fools, film russo del 2002 di Andrei Konchalovsky sulla condizione psichiatrica di pazienti e soldati durante la guerra di Cecenia.

4) Ordine del Canada

È un membro dell’Ordine del Canada, fondato dalla Regina Elisabetta II nel 1967. Diventarne membro equivale ad ottenere la più alta onorificenza concessa dallo Stato dello sciroppo d’acero e degli inverni pungenti. Come si ottiene l’accesso all’ordine? Essendo personaggi canadesi distinti e particolarmente in vista.

5) Bryan Adams Foundation

Nel 2006, l’artista poliedrico ha fondato la Bryan Adams Foundation, qui trovate il sito ufficiale: The Bryan Adams Foundation. Quest’associazione è nata promuovere l’istruzione infantile e giovanile in tutto il mondo, e, in generale, per sostenere con aiuti economici le fasce più deboli della popolazione mondiale, e migliorare le loro condizioni di vita.

Ti è piaciuto il nostro articolo? Faccelo sapere con un commento! Seguici anche sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

‘And after all…you’re my Wonderwall’. Identikit di un inno generazionale.

È il maggio del 1995 quando gli Oasis si rinchiudono per due settimane nei Rockfield Studios, in Galles, per registrare il loro secondo album, lo straordinario (What’s the Story?) Morning Glory che, uscito il 2 ottobre 1995, li consacrerà come la band inglese di maggior successo degli anni novanta e leader indiscussi del movimento del brit-pop. Il successo è dovuto soprattutto al terzo singolo estratto dal disco, Wonderwall, che proprio oggi compie venticinque anni. Vogliamo perciò ripercorrere la storia di questo brano intramontabile, inno di un’intera generazione, scritto da Noel Gallagher e reso unico dalla vocalità di suo fratello Liam.

Il titolo e il significato del brano conservano ancora oggi un certo mistero ed è forse anche questo a renderlo così amato. Wonderwall significa letteralmente muro delle meraviglie, è una parola volutamente nonsense. In un primo momento Noel dà alla canzone il titolo Wishing Stone, anche questo nonsense, ma ci ripensa perché non soddisfatto di come si inserisce nel ritornello. Sceglie quindi Wonderwall e in questa scelta vi è racchiuso un omaggio a George Harrison che aveva intitolato una sua produzione da solista proprio Wonderwall Songs, raccolta che fece da colonna sonora a un film intitolato proprio Wonderwall, il cui protagonista spiava la donna da lui desiderata attraverso dei buchi sul muro, appunto il muro delle meraviglie. I fratelli Gallagher non hanno mai nascosto la loro profonda ammirazione per i Beatles, parte integrante di tutta la loro produzione che pullula di omaggi e riferimenti ai Fab4. La stessa Wonderwall contiene anche un riferimento a una winding road, una strada dove tira il vento, esplicito riferimento al celebre brano dei Beatles.

A proposito del titolo della canzone, l’interprete Liam Gallagher ha osservato che, a prescindere da quale sia il significato letterale, Wonderwall è semplicemente una bella parola che può diventare qualsiasi cosa vogliamo. Insomma, dovremmo smetterla di ricercare a tutti i costi un significato. Persino i Travis, che si condividono con gli Oasis il genere, lo stile e l’amore per i Beatles, all’interno del loro brano Writing to Reach you ironizzano sulla faccenda, chiedendosi ‘What’s a Wonderwall anyway?’ (‘E comunque che cos’è un muro delle meraviglie?).

Ma se il titolo è nonsense, qual è il significato della canzone? Subito dopo l’uscita del singolo Noel Gallagher dichiarò che la canzone fosse stata scritta per la sua fidanzata dell’epoca, Meg Matthews, poi diventata sua moglie. In un’intervista del 2002, successiva al divorzio tra i due, Noel ritrattò dicendo che era stata la stampa a spingerlo a fare quella dichiarazione. Aggiunse che non era mai tornato sull’argomento perché sarebbe stato poco carino ammettere con sua moglie che in realtà la canzone non era per lei. Il vero significato di Wonderwall, spiega Noel, è una dedica a un amico immaginario che viene in tuo soccorso quando ne hai bisogno.

Wonderwall fa parte delle canzoni made in UK più conosciute al mondo e anche il video musicale, in bianco e nero con le Ray-Ban di Liam in primo piano, è diventato iconico. La canzone fu suonata live per la prima volta già nell’estate precedente all’uscita di (What’s the Story?) Morning Glory, nel backstage del festival di Glastonbury. È principalmente grazie a questo brano che il disco schizzò al primo posto delle classifiche inglesi, facendo la storia e sfiorando un record: fino al 1996 solo Bad di Michael Jackson era riuscito a vendere di più in così poco tempo. Altrettanto fu il successo riscosso negli Stati Uniti, dove il disco fu certificato platino ben cinque volte e Wonderwall si piazzò seconda nella classifica di Billboard, collezionando anche diverse nomination ai Grammy. Rimane, ancora oggi, una delle canzoni più re-interpretate di sempre: l’ha rifatta persino Jay-Z, ma la versione più riuscita, anche secondo gli stessi fratelli Gallagher che la considerano migliore dell’originale, è quella di Ryan Adams.

È ironico che la consacrazione sia arrivata proprio con una ballad per una band che cercò di costruire la propria immagine a suon di parolacce, rock’n’roll sporco e melodie ruvide. È forse anche per questo che Liam Gallagher, in diverse occasioni, ha dichiarato di essere arrivato a detestarla. Noi, invece, non smetteremo mai di amarla: nel suono di quegli accordi semplici, negli archi e nelle vocali allungate di Liam c’è tutto lo spirito degli anni novanta e la bellezza di quegli anni di fine secolo, quando per connettersi bastava una chitarra e un po’ di birra e non c’erano schermi da fissare, ma solo muri delle meraviglie da immaginare.

‘Making Movies’ dei Dire Straits compie 40 anni! 5 curiosità su questo disco straordinario

Come vi abbiamo raccontato nel Coming Very Soon dello scorso mese, questo ottobre 2020 è pieno di compleanni straordinari. Oggi vogliamo celebrare un album indimenticabile che domani compie ben quarant’anni: stiamo parlando di Making Movies dei leggendari Dire Straits, uscito il 17 ottobre 1980. Si tratta del primo disco della band riuscito a raggiungere le vette delle classifiche mondiali. Un vero e proprio romanzo in musica capace di farci sentire parte delle vicende narrate nei brani, che sono caratterizzati da atmosfere romantiche e testi che suonano proprio come dei dialoghi. Una macchina del tempo che in poco più di trentasette minuti ci riporta all’alba degli anni ottanta, scivolando sugli inconfondibili accordi di Mark Knopfler.

Prendetevi del tempo per riascoltare questo frammento di storia del rock, noi intanto vi raccontiamo cinque curiosità.

  1. I produttori del disco sono il frontman della band Mark Knopfler e Jimmy Iovine. Knopfler era rimasto così colpito dal lavoro che Iovine aveva fatto con gli album Born to Run e Darkness on the Edge of Town di Bruce Springsteen che lo volle al suo fianco per Making Movies. Iovine ‘prese in prestito’ per il disco il pianista Roy Bittan, membro proprio della E Street band di Springsteen.
  2. Il singolo di maggior successo estratto dall’album è Romeo and Juliet, che con i suoi dialoghi coinvolgenti e iper realistici è da considerarsi, seppur con una trama modificata, quasi un primo adattamento cinematografico della tragedia Shakespeariana, a più di un decennio dell’uscita del primo vero adattamento per il grande schermo (quello firmato Luhrmann). Il brano vede un Romeo sofferente e innamorato di una Juliet che lo tratta, per dirla con le parole del brano, ‘solo come un altro dei suoi affari’. La vicenda è ispirata alla sofferta storia d’amore tra Knopfler e la cantante Holly Vincent: si vociferava che lei avesse usato Knopfler solo per acquisire notorietà.
  3. Secondo Nannini e Ronconi, autori di Le canzoni dei Dire Straits (Editori Riuniti, 2003) il brano Romeo and Juliet presenta molte delle caratteristiche tipiche delle ballad della letteratura inglese – è basato su un dialogo, ha una rigida struttura metrica fatta di strofe di quattro versi in rima baciata, prevede diverse assonanze a allitterazioni, ripetizioni e naturalmente un ritornello.
  4. Per un brano di questo disco, Les Boys, i Dire Straits furono accusati di omofobia. Il brano è la fotografia di un gruppo di omosessuali che frequentano i disco bar in Germania e si guadagnano da vivere sfruttando il loro corpo. Pur non riportando alcun commento esplicitamente omofobo, il brano ritrae gli omosessuali in maniera piuttosto stereotipata.
  5. Making Movies è un disco pieno di riferimenti, sia letterari (come quello a Shakespeare), che musicali (l’iconica intro di Tunnel of Love è un estratto da The Carousel Waltz di Rogers and Hammerstein), che cinematografici (la canzone citata dal Romeo di Knopfler è Somewhere tratta da West Side Story, film del 1961). Ma molti sono anche i riferimenti alla vita di Knopfler, come ad esempio la ‘città spagnola’ che l’innamorato di Tunnel of Love cita nella canzone: si tratterebbe di Spanish City, una fiera situata a Whitley Bay, dove Knopfler andava da bambino e dove sarebbe nata la sua intensa storia d’amore con il rock’n’roll, avendolo ascoltato proprio lì, per la prima volta, ad alto volume.


    Vi è piaciuto riascoltare questo splendido disco insieme a noi? Ditecelo con un commento e seguiteci sui nostri social. Ci trovate su FacebookInstagram e Twitter.

5 cose che non sapevi su Sting

Il Re della musica oggi compie 69 anni! E quale modo migliore di festeggiare, se non scoprendo qualcosa di nuovo su di lui? Ecco a voi 5 curiosità su Gordon Sumner che fino ad ora avevate ignorato!

1) Nella testa di Sting
Nel 2009, Sting si è offerto volontario perché un team di neuroscienziati, capeggiato da Daniel Levitin, studiasse tramite risonanza magnetica cosa stesse accadendo nel suo cervello durante i momenti in cui il musicista era intento a cantare o suonare. I risultati dello studio, sono visibili nel documentario The Musical Brain. Sting era molto divertito dall’idea di partecipare all’esperimento, ed è stato molto felice di fungere di cavia per scoprire i segreti del suo cervello.

2) Una scatenata sestina!
Sting ha sei figli, due avuti dalla prima moglie, Frances Tomelty, tutti gli altri avuti dall’attuale moglie, Trudie Styler. Due di loro, Eliot Pauline e Giacomo Luke, sono nati proprio in Italia.
Provenendo da una famiglia di umili origini, ed avendo sempre lavorato duramente, Sting non intende lasciare una cospicua eredità alla prole, ma niente panico! I ragazzi sono in gamba e i loro genitori li sostengono alla grande.

3) Pungiglione canterino
Il vero nome dell’artista è Gordon Matthew Thomas Sumner. Ma da cosa deriva, invece, lo pseudomino col quale è riconosciuto dal mondo intero? Niente di più semplice, Sting, in italiano “pungiglione”, sarebbe stato il soprannome dato al musicista dai suoi amici per via del vestiario, composto in gran parte da magliette a righe gialle e nere, indossate soprattutto durante le performance dal vivo.

4) Una vita tranquilla
Sting ha frequentato l’università di Warwick, ma non ha mai conseguito il titolo accademico. Ha sempre sognato di fare un lavoro tradizionale, ed infatti è stato professore di inglese per un periodo, affiancherà a questo lavoro anche l’insegnamento dell’arte del disegno. Tuttavia, quando nel 1976 fonda i Police, le cose sono destinate a cambiare leggermente il loro corso.

5) Sotto il sole della Toscana
Sting e sua moglie Trudie Styler posseggono una splendida villa in Toscana, Il Palagio, situata nella zona a sud di Firenze. La coppia si è ben presto occupata della produzione di vini, alcuni dei quali portano come nomi: Message in a Bottle, Sister Moon, When We Dance, ed ovviamente, Roxanne, in versione bianca o rossa.

Tu conoscevi queste curiosità? Faccelo sapere!

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

“Music” di Madonna compie 20 anni!

Sono trascorsi 20 anni da quando la regina del pop mondiale ha pubblicato il suo ottavo album in studio, anticipato dall’ omonimo singolo “Music”

Era il 18 settembre del 2000 e Madonna, come sempre, faceva scuola con un album da record e un videoclip che ha fatto storia. Parliamo di Music, uscito nell’agosto del 2000 e seguito da altri due singoli di successo, Don’t Tell Me e What It Feels Like for a Girl.

Madame Ciccone si presentava in una limousine tutta oro, per le strade di Los Angeles, con uno strepitoso look da cowgirl: al collo catene d’oro massiccio e gli immancabili stivali camperos a punta, che entravano prepotentemente di diritto nella moda.

Già, perché Madonna è l’unica donna al mondo che riesce a dominare le classifiche, a dettare moda e a trasformare memorabili gaffe in oro colato. Come faccia, resta ancora un mistero, ma intanto Music rappresenta ancora oggi una pietra miliare nella discografia degli anni 2000:

Disco di platino e disco d’oro in 5 nazioni

4 milioni di copie vendute dopo 10 giorni dalla pubblicazione

3 milioni di copie vendute negli Stati Uniti

15 milioni di copie vendute nel mondo

1° posto nella classifica di 25 Paesi

5 nomination ai Grammy Awards

452° posto nella lista dei 500 migliori album secondo Rolling Stone

Acclamato dalla critica come un album sperimentale e fortemente innovativo, Music segna un passaggio importante tra gli anni 90 e l’inizio del nuovo millennio: Madonna intraprende una direzione nuova, con una musica più commerciale, fatta di suoni costruiti al computer e ammiccanti ballerine in bikini (che diventeranno una costante nei videoclip di musica dance). Memorabile è la parte centrale del videoclip, dove Madonna si trasforma in un personaggio animato, che distrugge le insegne dei palazzi riportanti il nome delle sue canzoni più celebri del passato.

Spazio al nuovo, quindi, sempre a colpi di tacco. Ma non solo! Anche il nostro modo di fruire la musica sarebbe presto cambiato: da un approccio analogico, a uno “quasi” digitale, Madonna aveva previsto tutto, a conferma che una star non insegue i tempi, ma li anticipa. Sempre.

E da pochi giorni Madonna ha anche rivelato che dirigerà un film ispirato alla sua vita, con la sceneggiatura di Diablo Cody, vincitrice dell’Oscar per il film Juno. Noi, però, nell’attesa di decretare se il film sarà un successo o meno, brindiamo ai 20 anni di Music: buon compleanno!

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

Buon Compleanno Queen Bey! La carriera di Beyoncé in 10 tappe

In occasione del suo trentanovesimo compleanno, dedichiamo il Discovery Woman di settembre a colei che rappresenta la diva per eccellenza, Beyoncé Knowles. Con la sua voce inconfondibile e potentissima, la tigre di Houston ha lasciato un segno indelebile nella musica e nella cultura pop. Con classe e fierezza si è sempre fatta portavoce, sul palco e giù dal palco, di temi politici e non ha mai avuto paura di esprimere le sue opinioni o il suo dissenso, ispirando intere generazioni. Per questi motivi è universalmente riconosciuta come la regina, Queen Bey. Riassumere la sua carriera non è impresa semplice, ma noi ci abbiamo provato e abbiamo deciso di racchiuderla in dieci tappe, secondo noi, fondamentali.

  1. Le Destiny’s Child, ovvero il gruppo femminile che ha venduto di più in tutta la storia della musica
    Le straordinarie doti canore di Beyoncé emergono già nei primi anni di vita e a soli 8 anni fa parte del gruppo Girl’s Tyme, dalle cui ceneri nasceranno le Destiny’s Child. Le componenti non sempre vanno d’accordo e la formazione cambia diverse volte, ma nonostante ciò il gruppo, nella seconda metà degli anni Novanta, riesce a conquistare il mondo intero. Say my name, Jumpin’ Jumpin’, Independent Women (colonna sonora del film Charlie’s Angels) e Survivor sono solo alcuni dei loro grandi successi. Nel 2001 il progetto viene messo da parte per permettere alle componenti Beyoncé, sua cugina Kelly Rowland e Michelle Williams di avviare una propria carriera solista, per poi essere ripreso nel 2004, anno in cui esce il loro ultimo album Destiny Fulfilled. L’album è seguito da un ultimo, memorabile tour.
  2. Un esordio da record: Crazy in Love
    Il 20 maggio 2003 esce Crazy in Love (interpretata con il futuro marito Jay-Z), il primo singolo estratto da Dangerously in Love, primo album da solista di Beyoncé. Valutare quanto sia stato effettivamente grande l’impatto culturale di questo brano, ripetutamente certificato platino in un gran numero di paesi occidentali, è impossibile. Numerosi critici musicali e riviste hanno collocato Crazy In Love tra i brani più significativi degli anni Duemila, tra cui Rolling Stones. La rivista mette infatti Crazy in Love al terzo posto, aggiungendo che lo squillo di trombe all’inizio del brano non era un’introduzione, bensì un’annunciazione, quella della nuova regina del pop (qui potete trovare la classifica completa).
  3. Listen, to the song here in my heart…
    Come dimenticare la performance da pelle d’oca del brano Listen nel film Dreamgirls? L’amatissimo brano di Beyoncé fa parte della colonna sonora di questo film del 2006, adattamento di un musical omonimo di Broadway risalente al 1981 e incentrato sulla storia del gruppo vocale femminile degli anni sessanta The Supremes (del quale faceva parte Diana Ross). Fanno parte del cast anche Jamie Foxx, Eddie Murphy e Jennifer Hudson. Beyoncé interpreta Deena Jones, personaggio ispirato a Diana Ross. L’interpretazione le valse due nomination ai Golden Globe, una per Migliore Attrice e una per Miglior Canzone Originale (per Listen).
  4. Un album in tempi record: B-Day
    Sono soltanto tre le settimane in cui B-Day è stato pensato, arrangiato e registrato. Le riprese di Dreamgirls sono appena terminate e Beyoncé afferma di non essere mai stata così piena di idee ed energia creativa. Il disco esce il 4 settembre del 2006, giorno del venticinquesimo compleanno di Beyoncé. E’ un successo strepitoso, tant’è che i singoli estratti sono ben 6 (Déjà Vu, Ring the Alarm, Irreplaceable, Beautiful Liar – insieme a Shakira, Get me Bodied e Green Light). Con questo album si consolida l’immagine di Beyoncé come regina del pop, ma anche la coppia Beyoncé & Jay-Z. I due infatti duettano nuovamente nel singolo che fa da traino al disco, Déjà Vu.
  5. Il balletto di Single Ladies
    Tre donne schierate con addosso un body nero, le immagini in bianco e nero, la mano che si muove seguendo il ritmo. Probabilmente si tratta del video musicale più semplice e evocativo allo stesso tempo, sicuramente uno dei più riprodotti, copiati e parodiati di sempre. Single Ladies (Put a Ring on it) è un brano tratto dall’album del 2008 I Am…Sasha Fierce che, neanche a dirlo, è l’ennesimo successo (ricordiamo i singoli If I Were a Boy, Halo e il riuscitissimo duetto con Lady Gaga, Video Phone). Manca ancora un bel po’ alla fine del decennio, ma è già chiaro che è Beyoncé l’artista femminile che nel periodo 2001-2010 ha avuto più brani in top ten ed è rimasta per più settimane alla posizione numero 1 delle classifiche.
  6. Chi manda avanti il mondo? Le ragazze!
    Dopo una pausa durata un anno, Beyoncé torna nell’aprile del 2011 con un brano in cui non le manda affatto a dire e che anticipa l’uscita dell’album 4. Who Run the World? (Girls) è un brano grintoso che celebra la forza delle donne in un modo tutt’altro che scontato. Incredibile la sua performance ai Billboard Music Awards del 2011, quando le fu assegnato il Millenium Award. La performance coinvolse 100 ballerini, un gigantesco schermo interattivo e fuochi d’artificio, roba che quattro luglio, spostati. Who Run the World? (Girls) rappresenta una svolta politica per Beyoncé, che includerà sempre più nel suo modo di fare musica temi come l’emancipazione delle donne e degli afroamericani. Intanto trova anche il tempo di collaborare con la Casa Bianca, in particolare con la first lady Michelle Obama, per diverse iniziative sociali.
  7. L’album a sorpresa e On The Run Tour
    C’é davvero bisogno di sbattersi con la promozione di un album quando ti chiami Beyoncé? A quanto pare no, non c’è bisogno. L’album in questione, intitolato semplicemente Beyoncé, è in effetti molto più di un album. Si tratta di un visual album, composto da 14 brani e 17 clip. Esce la notte tra il 12 e il 13 dicembre 2013 su i-Tunes e, nonostante sia stato pubblicato praticamente ad anno finito, riesce comunque a diventare in meno di venti giorni il decimo album più venduto del 2013, grazie a successi come Drunk in Love, Pretty Hurts, XO e Partition. I brani di questo album saranno al centro di On the Run Tour, lo spettacolare tour da 110 milioni di dollari di incassi che Beyoncé mette in piedi insieme a suo marito Jay-Z.
  8. Formation e l’esibizione al Super Bowl
    Il 6 febbraio 2016 Beyoncé lancia su Tidal un brano intitolato Formation, con il quale si esibisce, il giorno dopo, durante l’Halftime Show del Super Bowl (che vede quell’anno anche la partecipazione di Bruno Mars e dei Coldplay). Formation è stata definita da un giornalista di Rolling Stones come una canzone assolutamente necessaria in tempo di Black Lives Matter. E’ un brano potente che ruota intorno ai temi del black pride, dell’eredità culturale degli afroamericani e del razzismo. L’esibizione al Super Bowl suscita varie polemiche, poiché la coreografia nell’insieme ricorda la rivoluzione afroamericana delle Black Panthers che ha avuto luogo nel corso degli anni Settanta e Ottanta. Formation anticipa l’uscita del monumentale album Lemonade (sul quale scriveremo un articolo più approfondito in occasione del quinto anniversario) e dello spettacolare Formation World Tour.
  9. Homecoming, A film by Beyoncé
    Prendete una performance spettacolare di Beyoncé, ovvero quella di Coachella nel 2018. Prendete tutti i retroscena, dalla progettazione delle coreografie al duro lavoro delle prove. Prendete una Beyoncé, solitamente estremamente riservata, che si mostra umana, fragile e provata dalla fatica mentre prepara lo show (e tra l’altro non si è ancora ripresa del tutto dal parto dei suoi due gemelli, avvenuto solo qualche mese prima). Joe Coscarelli del New York times ha descritto Homecoming come uno sguardo al concerto ‘intimo e approfondito’, come ‘la strada emotiva dal concetto creativo a un movimento culturale’. Il film, ideato e creato in collaborazione con Netflix, ha ricevuto un plauso universale. Se non l’avete visto vi consigliamo di rimediare subito.
  10. La colonna sonora de Il re Leone e Black is King
    Nel luglio del 2019 è uscito il remake de Il re Leone e Beyoncé si è cimentata nel doppiaggio del personaggio di Nala e nell’interpretazione del brano Spirit, parte della colonna sonora del film. I brani che compongono la colonna sonora di questa nuova versione de Il Re Leone sono racchiusi all’interno di The Lion King: The Gift, curato e prodotto da Beyoncé, al quale hanno partecipato anche numerosi artisti africani.
    Il 19 giugno 2020 Beyoncé pubblica Black Parade, un brano con il quale intende commemorare la fine della schiavitù dei neri negli Stati Uniti. La data di uscita del brano non è casuale: il 19 giugno, o Juneteenth, è proprio il giorno in cui si celebra la fine dei soprusi sui neri ed è stata istituita proprio in Texas, dove Beyoncé è nata. Black Parade assume un significato ancora più profondo perché pubblicata poco dopo l’assassinio di George Floyd e nel clima di protesta che ne è derivato. I proventi vengono destinati alle piccole imprese di proprietà di afroamericani. Ma l’attivismo di Beyoncé sulle tematiche del movimento Black Lives Matter non finisce qui. Il 31 luglio scorso è uscito infatti Black is King, che è allo stesso tempo un film e una versione visual dell’album The Lion King: The Gift. Il progetto, interamente ideato e diretto da Beyoncé, è stato acclamato dalla critica per regia, design dei costumi, soggetto e soprattutto per le tematiche culturali trattate.

    Riassumere la carriera di un’artista così attiva su tanti fronti non è semplice, ma abbiamo fatto del nostro meglio. In quale fase e in quali vesti l’hai apprezzata di più? Scrivicelo qua sotto, oppure seguici sui nostri social. Ci trovi su Facebook, Instagram e Twitter.



Buon compleanno Matt Bellamy! 5 curiosità sul frontman dei Muse

Matt Bellamy è il primo volto che mi viene in mente quando penso alla definizione di frontman. E’ un performer impeccabile, eccentrico quanto basta, dotato di grande carisma e di immenso talento. Nasce a Cambridge il 9 giugno del 1978 e cresce nella contea del Devon, nel sud dell’Inghilterra, dove ancora bambino impara a suonare il pianoforte e la chitarra. La storia dei Muse è saldamente intrecciata a quella della sua vita: i primi passi del gruppo risalgono già al 1994, quando un Matt Bellamy sedicenne decide di trasformare la sua band di liceali, i Rocket Baby Dolls, in un progetto più professionale che prenderà il nome di Muse. I ventisei anni di attività della band sono un tripudio di spettacolari performance e audaci sperimentazioni, che portano la band ad attraversare e fare propri una serie di generi musicali, dal rock alternativo alla musica elettronica, passando per la musica classica e il rock più progressivo.

Oggi, nel giorno del suo quarantaduesimo compleanno, celebriamo questo grande performer e vi sveliamo cinque curiosità su di lui. Siete pronti a scoprirle?

  1. E’ un chitarrista strepitoso. Il diciannovesimo miglior chitarrista di sempre secondo il sito di news musicali britannico Gigwise. Per i lettori di Total Guitar, il riff di Plug in Baby è il tredicesimo miglior riff di sempre e la rivista, nell’edizione del gennaio 2010, l’ha eletto persino chitarrista del decennio, definendolo l’Hendrix della sua generazione. Anche BBC Radio 6 segue questa linea e proclama Bellamy miglior chitarrista degli ultimi trent’anni.
  2. Bellamy detiene il Guinness Word Record per numero di chitarre distrutte in tour. Il record di 140 è stato stabilito durante l’Absolution Tour, svoltosi tra il 2003 e il 2004.
  3. E’ un grande fan di Jeff Buckley, a cui da sempre si ispira soprattutto per quanto riguarda l’uso della voce e l’estensivo uso del falsetto, con il tempo diventato uno dei suoi tratti distintivi. Ha recentemente acquistato la leggendaria chitarra Fender Telecaster che Buckley utilizzò per registrare l’iconico album Grace. Bellamy ha in mente di utilizzarla per la registrazione del prossimo album in studio dei Muse.
  4. Fa parte, come bassista, di una band tributo ai Beatles, The Jaded Hearts Club, della quale fanno parte anche Miles Kane e Graham Coxon.
  5. E’ molto legato all’Italia. Bellamy ha avuto una relazione, durata ben nove anni, con una psicoterapeuta italiana; insieme a lei ha vissuto per quattro anni sul lago di Como, a Moltrasio. La sua proprietà fu messa in vendita dopo la fine della relazione, avvenuta nel 2010, ma il cantante rimane molto legato al nostro paese. Ha fondato a Moltrasio anche il Bellini studio, lo studio di registrazione dove fu registrato anche The Resistance, l’album dei Muse uscito nel 2009.

Cosa ne pensi di Matt Bellamy? Conoscevi queste curiosità su di lui?

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

L’Eurovision ai tempi del Covid: come si svolge e dove vederlo

Noi della redazione di Smells Like Queen Spirit Mag eravamo a dir poco elettrizzate quando abbiamo realizzato che l’Eurovision 2020 si sarebbe tenuto nella città dove abita una di noi. Eravamo pronte a sbizzarrirci con live, articoli e contenuti extra direttamente dal famoso tappeto rosso. Nel 2019 la vittoria è andata infatti all’olandese Duncan Laurence con la sua Arcade e, di conseguenza, la kermesse quest’anno si sarebbe tenuta a Rotterdam, nei Paesi Bassi. L’emergenza sanitaria ha messo bruscamente fine alle nostre fantasie. Questa edizione, la numero sessantacinque, è stata annullata, o meglio non si terrà con le modalità alle quali tutti noi eravamo abituati.

La macchina del festival delle bandierine colorate con il quale si celebra la musica del vecchio continente quest’anno resta spenta, ma per fortuna non si spegne la musica. L’edizione di quest’anno si svolgerà in nome del distanziamento sociale e sarà racchiusa in una sola serata senza competizione e senza classifica, quella di sabato 16 maggio dal titolo Eurovision: Europe Shine a Light. L’evento sarà presentato dal trio inizialmente designato per condurre l’intero contest: l’attrice Chantal Janzen, il cantante Jan Smit e la cantante Edsilia Rombley (che aveva partecipato al contest nel 1998 e nel 2007). La YouTube Nikkie de Jager, nota al grande pubblico come NikkieTutorials, curerà i contenuti sui social media. In merito alla manifestazione, il produttore esecutivo Sietse Bakker ha dichiarato:

“Vogliamo mettere in piedi uno show che non solo mette al centro i 41 artisti che si sarebbero dovuti esibire a Rotterdam, ma che riesce a ispirare e a connettere quelli che in questi tempi difficili si trovano in casa, in Europa e al di fuori. Naturalmente renderemo omaggio anche a quelli che sono stati colpiti direttamente dalla crisi e a quelli che lavorano duramente per combattere questo virus. Diamo vita a un momento indimenticabile nella storia dell’Eurovision!” [Fonte: sito ufficiale della manifestazione].

All’evento parteciperanno quindi i 41 artisti che si sarebbero dovuti esibire a Rotterdam, ognuno in diretta da una location speciale nel proprio paese e ognuno con una hit proveniente dalle passate edizioni della kermesse. I brani che gli artisti avrebbero portato all’edizione di quest’anno saranno brevemente fatti ascoltare tra un’esibizione e l’altra. È inoltre prevista una performance di tutti gli artisti del brano Love Shine a Light di Katrina And The Waves, brano vincitore del 1997. Numerosissimi gli ospiti, tra i quali gli ex vincitori Marija Serifovic (Serbia, 2007), Ell & Nikki (Azerbaijan, 2011), Mans Zelmerlow (Svezia, 2015) e Gali Atari (Israele, 1979). Presenteranno i loro nuovi singoli il campione in carica Duncan Laurence (che ci farà ascoltare Someone Else) e l’amatissima Netta, cantante israeliana vincitrice del 2018.

Il programma, prodotto dalle tre emittenti olandesi NPO, NOS e AVROTROS, sarà trasmesso in Eurovisione sulle emittenti nazionali e sul canale Youtube della manifestazione. In Italia lo spettacolo andrà in onda il 16 maggio a partire dalle 20:35 su Rai1, condotto da Flavio Insinna e Federico Russo . Interverranno anche alcuni artisti italiani in gara nelle ultime edizioni, ovvero MahmoodErmal Meta e Fabrizio Moro, Il Volo, Francesca Michielin e Francesco Gabbani, che si esibiranno in brani celebri delle scorse edizioni. Previsto anche un intervento di Albano, mentre i look della serata saranno commentati in diretta da Enzo Miccio. Sarà possibile seguire l’evento anche sulla piattaforma Rai Play, su Rai 4 e Rai Radio 2 in compagnia di Ema Stoccolma e Gino Castaldo.

Quest’anno il nostro paese sarà rappresentato dal cantautore Diodato, reduce dalla vittoria al Festival di Sanremo con il brano Fai Rumore e fresco di David di Donatello per la miglior canzone originale (ha scritto e interpretato il brano Che vita meravigliosa, colonna sonora del film di Ferzan Özpetek La Dea Fortuna). A fare da sfondo all’esibizione di Diodato una location d’eccezione, ovvero l’Arena di Verona completamente vuota, illuminata soltanto da luci bianche e blu.

Noi non vediamo l’ora di assistere a questo Eurovision un po’ diverso. E voi lo guarderete?

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.

Coming (very) soon. Le uscite di maggio con Norah Jones, Bon Jovi e The Killers

Doveva essere il mese dei primi eventi all’aperto, delle prime tappe dei tour estivi e dell’Eurovision, ma questo maggio 2020 non sarà niente di tutto questo. Il prolungamento delle misure per il contenimento del virus hanno definitivamente spazzato via ogni speranza di tornare ad ascoltare musica dal vivo nel breve periodo. Per fortuna questa primavera sarà costellata di molte uscite degne di nota e, per molte di queste, noi di SLQS non vedevamo l’ora!

Inauguriamo maggio con Such Pretty Forks in the Road, l’attesissimo nuovo album in studio della cantautrice canadese Alanis Morissette, in uscita questo venerdì primo maggio a otto anni dall’uscita dell’ultimo album di inediti. Il disco è stato anticipato già lo scorso dicembre dal singolo Reasons I Drink, un pezzo ruvido e trascinante in cui Alanis sembra proprio quella di sempre. Esce il primo maggio anche Gaslighter, il nuovo album del gruppo country statunitense Dixie Chicks, tornate in studio dopo ben 13 anni. Venerdì 8 maggio è invece prevista l’uscita di Petals for Armor, il disco che segna il debutto da solista di Hayley Williams, voce dei Paramore. L’album è stato anticipato da due EP, Petals for Armor I e Petals for Armor II, usciti rispettivamente a gennaio e aprile.

Venerdì 15 maggio è una giornata di grandi uscite. Tornano infatti i Bon Jovi con Bon Jovi: 2020. Si tratta del quindicesimo album in studio per la band del New Jersey e conterrà il singolo Limitless, uscito lo scorso febbraio e già una hit. Esce il 15 maggio anche Van Weezer dei Weezer, un disco che, a detta del frontman Rivers Cuomo, riporterà la band a una dimensione decisamente hard-rock. L’uscita del disco avrebbe anticipato l’attesissimo Hella Mega Tour, il tour che la band di Los Angeles avrebbe portato in giro per il mondo insieme ai colleghi Green Day e Fall Out Boy, il cui destino è al momento incerto. Dulcis in fundo, lo stesso venerdì esce Pick me up off the Floor, di Norah Jones, già anticipato dal singolo I’m Alive. Un album piuttosto dark, che per tematica si colloca splendidamente in questo momento storico: è infatti incentrato sulla solitudine e sul bisogno di connessione tra gli esseri umani. Non vediamo l’ora di ascoltarlo!

Italianissima l’uscita del 22 maggio che vi segnaliamo. Si tratta del cofanetto Fabrizio De Andrè e PFM: Il concerto ritrovato. Il concerto ritrovato é il celebre live di Genova del 1979 in cui Fabrizio De Andrè si esibì con PFM. Le immagini sono state recuperate, restaurate e proposte nelle sale cinematografiche lo scorso febbraio, riscuotendo grande successo. Il cofanetto, pubblicato da Sony Music, uscirà in doppio formato: CD con libretto e doppio LP. Esce lo stesso giorno anche Notes on a Conditional Form della band inglese The 1975, un progetto che si preannuncia molto interessante. Particolare la scelta di aprire l’album con la canzone di protesta chiamata The 1975, brano in cui un pianoforte accompagna un discorso dell’attivista Greta Thunberg sulla responsabilità che ognuno di noi ha nella lotta al cambiamento climatico.

Il 29 maggio è la volta di un altro cofanetto: esce Bowie Years del grande Iggy Pop, contenente le versioni rimasterizzate degli album realizzati in collaborazione con il Duca bianco e altre rarità. Questo mese pieno di uscite si chiude con l’attesissimo ritorno dei The Killers con il loro sesto album in studio Imploding the Mirage, inciso tra l’Utah e la California e anticipato a marzo dal singolo Caution.

Ora tocca a voi! Quali album non vedete l’ora di ascoltare? Ci sono altre uscite che vi piacerebbe segnalarci?

Ti è piaciuto questo articolo? Lascia un commento e seguici sui nostri social. Ci trovi su FacebookInstagram e Twitter.