Tutti gli articoli di A.

Mi chiamo Amalia ma odio il mio nome, quindi facciamo finta che A. vada bene. Da grande volevo fare la musicista, ma suonando solo quello che piaceva a me, quindi ho iniziato a studiare Lingue e Letterature straniere dei Paesi Bassi (le cose olandesi, per capirci) e degli Stati Uniti, e continuo a voler fare solo quello che piace a me, quindi mi guardo costantemente intorno, alla ricerca della prossima cosa da imparare e scoprire. Non ho mai imparato a vestirmi bene. Amo i gatti. Guardo un sacco di serie tv, leggo, scrivo (o almeno, vorrei) e poi, ogni tanto, metto la "y" alla fine delle parole che terminano con "i". Ho la mania della pianificazione e forse è per questo che ho creato "Il disordine di A.", perché avevo proprio bisogno di uno spazio in cui lasciar correre il mio cervello svalvolato a briglia sciolta.

5 canzoni spettacolari di How I Met Your Mother

Fan di How I Met Your Mother, ci siete? Vi chiamiamo a raccolta! Oggi, infatti, parleremo di 5 canzoni del nostro show preferito e che non dimenticheremo mai. Siete pronti a canticchiarle con noi? Via!

1) Mix di Marshall

Possiamo ammetterlo? Il personaggio di Marshall Eriksen è il prototipo dell’uomo dei sogni. Dolce, attento, devoto, brillante. Ma anche l’uomo dei sogni può avere i suoi momenti imbarazzanti (o geniali!).

Ogni fan di HIMYM si troverà di tanto in tanto a canticchiare il mix Best Night Ever + Cat Sitting for Lily’s Mum + Cat’s Funeral.

Chi ha voglia di un po’ di crème brûlée-lée-lée-lée-lée?

2) Barney Stinson is Awesome!

Ognuno di noi dovrebbe avere un jingle auto-promozionale, per tirarsi un po’ su in quei momenti grigi in cui non crede in sé stesso. E dovrebbe farlo seguendo l’esempio di Barney Stinson!

Barney Stinson, that guy’s awesome!

3) Bangity-Bang!

Hot stuff, gente. Come celebrare elegantemente con gli amici una conquista sentimentale? Ma cantando Bang-Bang-Bangity Bang! Diventa un motivo ripetuto nel corso della serie, e tutti noi abbiamo sognato di cantarlo con un banjo a nostra volta. C’è anche una versione di questo brano chiamata Soul Bang, correte a sentirla su Spotify!

4) You just got slapped

Cantata da un toccante Marshall e da un toccato Barney in una versione al pianoforte, You just got slapped viene anche interpretata dai Boyz II Men in chiave soul alla fine dell’episodio “Slapsgiving 3: Slappointment in Slapmarra” (e14s09). Curiosità: questo episodio è interamente ispirato alla saga di Kill Bill di Quentin Tarantino. Lo sapevate?

5) Let’s go to the mall!

Robin Sparkles ci ha fatto andare in visibilio durante tutte le sue apparizioni. Let’s go to the mall! è stato il primo di una serie di brani indimenticabili che ci hanno fatto ridere a crepapelle, fino alle lacrime con l’ultimo momento di Robin Daggers (P.S. I Love You).

Le trovate tutte su Spotify!

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5 canzoni di Scrubs che non dimenticheremo mai

Scrubs – Medici ai primi ferri è una serie statunitense diventata iconica, andata in onda all’inizio degli anni 2000 e terminata nel 2010. Uno dei punti di forza di questo show, oltre alla brillante interpretazione del team di attori capeggiato da Zach Braff nei panni del medico specializzando John “JD” Dorian, è sicuramente identificabile nella colonna sonora, una delle migliori in assoluto.

Noi di Smells Like Queen Spirit, amanti delle serie tv e della musica, abbiamo selezionato 5 canzoni che tra tutte, legate alle scene che accompagnavano, ci hanno fatto piangere a dirotto, di gioia o di tristezza.

5) How to Save a Life – The Fray

Nell’episodio ll mio pranzo, il ventesimo della quinta stagione, assistiamo ad uno dei momenti emotivamente più potenti dell’intera serie. Un errore medico causa la morte di tre pazienti con organi trapiantati a partire da un corpo infetto da rabbia. Alla morte di tutti i malati, il Dottor Cox, uno dei personaggi assolutamente più belli e meglio costruiti nella storia della televisione, ha un devastante crollo psico-fisico. Mentre le scene tragiche si susseguono tra le camere dell’Ospedale Sacro Cuore, in sottofondo a scatenare tutte le nostre lacrime, c’è How To Save a Life, della band The Fray. Quelle vite non vengono salvate, mentre JD, il protagonista della serie, tenta di ripescare dalla depressione il suo mentore afflitto, che non perdona sé stesso e chiude l’episodio con il viso stravolto dal dolore.

4) Superman – Lazlo Bane

La sigla di Scrubs è un inno alla vita dell’uomo comune, di chi vorrebbe ma non può, di chi sente il cappio della quotidianità intorno al collo e a volte non riesce proprio a sopportarne il peso. Il verso divenuto famoso in tutto il mondo, I can’t do this all on my own/No, I know, I’m no Superman, ha descritto in maniera dolorosamente perfetta lo stato d’animo che ognuno di noi ha provato almeno una volta nella sua vita.

Curiosità: Superman dei Lazlo Bane fa parte anche di un’altra colonna sonora. Potete ascoltarla anche come sottofondo al film The Tao of Steve (Jenniphr Goodman, 2000).

3) Hey ya! – The Blanks (Outkast Cover)

Dovranno perdonarci gli Outkast, ma una delle cose che accomuna tutti noi fan di Scrubs è sicuramente preferire all’originale la versione di Hey ya! re-interpretata dalla band del nostro Ted (Sam Lloyd), The Blanks, nella quindicesima puntata dell’ottava stagione, La mia anima in fiamme (parte 2).

L’ukulele, le scene ambientate alle Hawaii, i colori, le armonie ritrovate e le riflessioni, per non parlare della confessione di JD che ammette, finalmente, di amare Elliott più di Turk, ci hanno fatto piangere ed emozionare.

2) Winter – Joshua Radin

Scrubs, dalla prima all’ultima stagione, ha tenuto alti i momenti comici senza però trascurare quelli anche molto cupi. È un simbolo senza fronzoli della vita reale, ed è forse questo che l’ha sempre differenziata dalle altre serie tv, perlomeno, per la vicinanza con situazioni assolutamente verosimili o nelle quali, comunque, è piuttosto naturale immedesimarsi.

Quando si perde per sempre qualcuno che si ama, la mente può giocare brutti scherzi. Può negare che qualcosa di così estremamente brutale sia accaduto davvero. Può creare diversivi emotivi, estraniarsi dalla realtà.

È quello che accade nella quattordicesima puntata della terza stagione di Scrubs, Il mio disastro, quando Cox perde il suo migliore amico, Ben. Mentre Winter di Joshua Radin suona in sottofondo, Cox ride e nega di trovarsi al funerale di Ben, immagina di parlare con lui, e quando una semplice domanda, Dove crede che siamo?, gli viene posta, ecco che crolla l’illusione, e le lapidi del cimitero vengono introdotte nella scena che si chiude poi con la funzione e i presenti, vestiti di nero.

1) The Book of Love – Peter Gabriel

L’ultima fantasia di JD, che chiude la puntata finale, ci mostra tutti i suoi sogni, dal matrimonio con Elliott a toccanti momenti vissuti con Turk, e i loro bambini divenuti adulti. A completare la bellezza e la perfezione di questo frammento, The Book of Love, un brano di Peter Gabriel che potrebbe essere tranquillamente considerata tra le più belle canzoni sul vero amore mai scritte. La ascoltiamo, coi suoi archi, le parole di devozione, mentre le scene dei desideri e dei sogni di JD scorrono sul suo viso come diapositive di filmini domestici, che forse un giorno saranno veri. Di quei filmini che ognuno di noi ha a casa da qualche parte, e ogni tanto riguarda, per rivedere chi c’era ed ora non c’è più, per ricordare com’era, per capire sé stesso e sognare come sarà.

E chi dice che non accadrà? Chi può dire che le mie fantasie non si avvereranno, almeno questa volta?

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Rising Sounds: Daniele Isola, samurai milanese del cantautorato italiano

Rising Sounds è la rubrica di SLQS dedicata agli artisti emergenti!

Daniele Isola è un cantautore milanese che circa sei anni fa pubblicò il suo primo singolo. Oggi lavora al suo terzo album e da poco è uscito il videoclip del suo ultimo singolo, Samurai.

Ci siamo incontrati (senza mascherina, ma su Skype) e abbiamo chiacchierato un po’. Ecco a voi la nuova fiammante intervista di Smells Like Queen Spirit per la rubrica Rising Sounds.

Ciao Daniele. Come stai e come hai vissuto questo periodo un po’ strano?

Bene, dai. Per ora! (Ride) In realtà, a parte un primo momento in cui sono rimasto in casa per forza di cose, ho ripreso a lavorare in studio, così dopo qualche settimana ho più o meno ripreso un ritmo abbastanza normale. Ovviamente, le dinamiche in casa sono cambiate, ti ritrovi chiuso dentro anche durante il tempo libero. Io vivo a Milano, e mi piace molto questa città, ma quando non hai più tutto quello che Milano ti offre rimane poco, e quindi ti ritrovi a vivere in un contesto, quello di casa tua, che neppure offre granché. Anche perché magari non molti a Milano hanno un terrazzo grande o comunque spazi giganti in casa in cui poter vivere. Mi sono trovato a fare delle valutazioni su come e dove vivere, rispetto a quello che potrà succedere da qui in avanti, che è abbastanza un’incognita.

Si potrebbe dire, quindi, che questa quarantena ti ha portato a fare una rivalutazione del passato e del futuro?

Sì, assolutamente sì.

Parliamo un po’ di te: com’è nato il desiderio di cantare e scrivere pezzi tuoi?

Beh, in realtà da subito! Da piccolo, quando ho iniziato a mettere le mani su pianoforte e chitarra, in maniera molto ingenua, mi veniva da riprodurre delle cose mie piuttosto che le proposte degli insegnanti. E quindi anche da bambino mi piaceva trasferire le mie emozioni e quello che pensavo in musica, e questa cosa poi nel tempo ha preso una sua forma di espressione che continuo a portare avanti.

Quindi si può dire che il tuo sia stato un percorso molto naturale.

Sì, a molti magari viene naturale riprodurre canzoni degli altri, anche in maniera fedele, e la riproduzione diventa il loro percorso. Invece per me era diverso, mi veniva più naturale scrivere qualcosa di mio.

Chi sono i tuoi artisti di riferimento, sia italiani che internazionali?

Essendo il mio percorso abbastanza lungo, gli artisti di riferimento negli anni sono cambiati. Per fare dei nomi nell’ambito italiano, sicuramente Vasco Rossi, Battisti, Daniele Silvestri, Bersani, Cremonini. Ma in realtà cerco sempre di ascoltare tante cose diverse, sono completamente fan di tutto quello che fa Mike Patton! Uno degli ultimi concerti che ho visto è stato proprio il suo. Al di là dei riferimenti che magari si rispecchiano di più nel genere che poi faccio, credo e spero che tutta la curiosità che ho nell’ascoltare cose diverse in qualche modo si rifletta anche nella mia musica.

Oltre ad avere un grande panorama di artisti di riferimento, quindi, ci sono anche diversi generi musicali a cui ti ispiri?

Sì, e questa era ed è tuttora una mia difficoltà. A me piace che il brano prenda un suo percorso indipendentemente dal genere. E questo confonde l’ascoltatore che invece, magari, ha bisogno di un’identità più precisa. Quindi lavoro anche per evitare di essere troppo dispersivo. Anche se a me piacerebbe poter sperimentare e fare cose diverse, mi rendo conto che non è sempre semplice da parte di chi ascolta seguirti in un percorso troppo vario.

Ti dirò, trovo che sia molto bello e molto interessante lasciare spazio alla creatività.

Certo, però sono cose che devi anche conquistarti nel tempo. Prima ho parlato di Cremonini, ma per esempio anche Jovanotti, sono nomi del panorama italiano che possono permettersi di fare un pezzo molto classico, da pianoforte e voce, ed arrivare ad uno elettronico che fa ballare, tuttavia hanno costruito una credibilità che gli ha consentito di avere al seguito un pubblico disposto a stargli dietro in questi loro salti.

È comunque molto bella da parte tua questa volontà di conciliare l’attenzione degli ascoltatori con la tua identità di artista. Non è molto semplice, ma è importante che ci sia anche questo venirsi incontro.

Così come poi è bello anche sperimentare, fare cose diverse.

 Ho alcune cose da chiederti riguardo alla tua musica. Da Eremita, il tuo primo singolo uscito sei anni fa, all’ultimo, Samurai, quant’è cambiato Daniele Isola-cantautore?

È uscito un bel po’ di tempo fa! (Ride) Cos’era, il 2013? Come cantautore sono cambiato abbastanza. Diciamo che Eremita è stato il primo passo di una mia proposta al pubblico cercando di strutturare un progetto. È stato proprio il primo seme, l’inizio. Non avevo ben chiaro dove mi avrebbe portato tutto questo, ma soprattutto mi ci è voluto del tempo. Nel 2013 ho preso coscienza del fatto che volevo costruire un progetto. Anche Samurai, a modo suo, è una ripartenza. Eremita e Samurai sono legate, in qualche modo. Tra l’altro, non ci avevo pensato, ma si potrebbe fare un parallelo tra le figure dell’eremita e del samurai, che hanno aspetti simili, perlomeno nella proposta. Ora mi è un po’ più chiaro dove sto andando, anche se poi ogni volta che scrivo o produco, quello che mi aiuta è l’esperienza fatta, ma le idee chiare e la precisione della direzione finale non ci sono mai.

È stato facile trovare spazio nel mercato discografico italiano? Com’è stato il tuo percorso?

Innanzitutto, bisognerebbe vedere se esiste ancora un mercato discografico italiano!

Bella risposta.

Partiamo dal presupposto che di musica ce n’è tantissima e la gente ha bisogno di musica. Chiaramente, quindi, un mercato a cui rivolgersi c’è. Però, parlando di mercato discografico nello specifico, di dischi di repertorio ormai se ne fanno pochi. Anche i pezzi che funzionano non sono tanti, almeno quelli che vanno avanti negli anni. Si può parlare più di cose stagionali, e passata la stagione arriva il pezzo nuovo e va avanti così. Per cui io faccio tendenzialmente quello che più mi rappresenta, e che esprima le mie emozioni, senza pensare troppo allo spazio che posso ricavare nel mercato. Nel tempo, ho avuto la fortuna di trovare un’etichetta che per ben due dischi mi ha seguito e mi sta seguendo, e mi aiuta molto, però ecco, le cose che funzionano secondo me non pensano mai troppo al mercato a cui si rivolgono. Le cose più importanti sono il progetto ed il lavoro che ci sono dietro. Per fare un esempio, una delle ultime cose che ha funzionato tantissimo in questi anni è stata la produzione di Calcutta. Chi prima di lui avrebbe mai pensato ad una riuscita così grande di un progetto simile?

Verissimo! Abbiamo già parlato di Eremita e Samurai, ma tra i tuoi pezzi, tutti, ce n’è qualcuno che preferisci, o li ami tutti allo stesso modo?

Sono tutti figli della stessa mamma, ma sicuramente c’è un pezzo del mio primo disco che s’intitola Vertigine, che è ancora il pezzo con cui chiudiamo sempre i live. È una canzone che piace di più quando la suono nella versione chitarra e voce, ma nella mia testa suona sempre come quella prima registrazione del primo disco, più energica. Quella versione è piaciuta anche di meno, non è stata nemmeno un singolo, non ha avuto una sua vetrina, per così dire, ma è sicuramente un pezzo a cui sono molto legato.

È questo un momento storico nel quale si parla molto dell’inclusione e dell’accettazione di corpi diversi dal canone standard nelle arti visive. La mia domanda è: definiresti anche la scelta di presentare diversi tipi di fisicità femminile nel videoclip di Samurai come espressione di un messaggio bodypositive?

Sì. La scelta di questo videoclip è stata proprio quella di usare tre personaggi che a modo loro fanno un parallelo, dal mio punto di vista, col samurai per l’espressione della forza. La scelta è stata cercata, e molto in linea coi tempi che stiamo vivendo.

Hai mai portato la tua musica fuori dai confini nazionali?

Non c’è mai stata occasione, ma sicuramente è una delle cose che mi piacerebbe fare. Spero che in futuro possa capitare!

 C’è qualche città in particolare in cui ti piacerebbe suonare?

Me ne vengono in mente talmente tante che mi trovo costretto a risponderti di no! (Ride) Cantando in italiano magari ti ritrovi a rivolgerti per lo più agli italiani all’estero, ma in generale suonare all’estero indica anche confronti con realtà diverse. Quindi sarebbe molto stimolante.

Di tutta la storia, del tuo percorso, c’è qualcosa che rifaresti, o che non rifaresti?

Dei passi falsi, probabilmente, li avrò commessi, ma fanno tutti parte di un percorso e di dinamiche che mi hanno portato ad un risultato di cui sono contento. Non ho dei crucci su cui mi trovo a rimuginare (Ridiamo entrambi). Per quanto riguarda cose che mi piacerebbe ripetere, ci sono state esperienze live, sul palco, piene di emozioni così belle che vorrei poterle rivivere in futuro durante situazioni simili.

Quali sono i tuoi sogni nel cassetto?

Cercare di riuscire ad avere sempre del tempo per dare sfogo alla mia passione, alle esigenze che ho quando faccio musica. Ma prima di ogni cosa, tornare a suonare dal vivo. Un sogno nel cassetto collettivo. È sicuramente una cosa che mi manca molto.

Hai già dei progetti futuri?

Ho del materiale da cui abbiamo preso Samurai e il prossimo singolo che uscirà a breve, e vorrei aggiungerne altro a cui dare la forma di un disco. Sarà il lavoro dei prossimi mesi, è abbastanza pianificato per quanto possibile. Conto di arrivare all’autunno con la maggior parte del lavoro fatto.

Beh, che dire! In autunno allora ci risentiremo per parlare del nuovo disco?

Volentieri, volentieri. (Ridiamo)

L’intervista è finita! Vuoi dire qualcosa ai tuoi futuri lettori ed ascoltatori?

La caccia ai followers è sempre aperta! (Ridiamo entrambi) Se avete voglia di cercarmi, su Spotify o altro, vi aspetto a braccia aperte!

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5 canzoni classiche napoletane diventate leggenda!

La musica classica napoletana è diventata nel corso degli anni un marchio italiano che unisce gli abitanti di tutte le regioni, dal profondo Sud all’estremo Nord del Bel Paese. Sviluppatasi nel corso dell’’800 fino al secondo dopoguerra, ha prodotto un repertorio vasto e ricchissimo.

Chiunque, prima o poi, nel corso della vita si ritrova a cantare alla tavola di un matrimonio una canzone nata nel cuore di Partenope pur non conoscendone le parole! Noi di Smells Like Queen Spirit abbiamo pensato a 5 titoli di canzoni classiche napoletane secondo noi imperdibili, e che non possono mancare nel repertorio di ogni italiano (ed ogni amante dell’Italia, in generale)!

1) Te voglio bene assaje

…e tu non pienze a me!

L’anno di nascita di questo brano è convenzionalmente considerato il 1839, infatti la sua origine ha dato vita a non poche speculazioni. Qualcuno ne riconosce come autore il poeta Raffaele Sacco, altri invece Gaetano Donizetti. I racconti portano questo brano da Napoli a Parigi, e ancora in Norvegia, per un ritorno in Italia nel 1956 con l’orchestra di Pippo Barzizza.

Da molti studiosi di storia della musica viene addirittura considerata la prima vera e propria canzone classica napoletana, che ha dato il via alla lunga lista che arricchisce il repertorio di questo genere. Cantato dalle massaie della città campana, è stato il primo brano della musica napoletana d’autore a partecipare alla gara canora della festa di Piedigrotta, ai tempi, evento prestigioso e attesissimo.

2) Funiculì Funicolà

Di pizzerie con questo nome ne abbiamo viste in tutti i Paesi da noi visitati! E scommettiamo che potete dire lo stesso anche voi lettori.

Ma chi ha scritto il brano forse più famoso della canzone napoletana? La risposta è: il giornalista Giuseppe Turco, nel 1880. A musicarla col motivo che viene in mente a chiunque non appena si leggono quelle due paroline è stato invece Luigi Denza.

L’ispirazione per questa canzone risale al 1879, anno in cui venne inaugurata la prima funicolare del Vesuvio, mezzo modernissimo, per l’epoca, che avrebbe consentito a chiunque di raggiungere la cima del famigerato vulcano.

Fun Fact: Esiste una versione in lingua olandese intitolata Jajem, divenuta una specie di canzone tradizionale dei Paesi Bassi, al punto che ogni anno viene suonata a Scheveningen, l’Aia, il primo di gennaio, mentre migliaia di folli corrono mezzi nudi sulla spiaggia per fare il primo bagno (gelato) nel mare del Nord.

3) Era de Maggio

Una canzone d’amore struggente e malinconica, ad oggi interpretata da nomi nazionali ed internazionali: Roberto Murolo, Mina, Noa, Mika. Si percepisce il dolore dell’addio e la volubilità del tempo, degli amori giovanili.

La canzone nacque da una poesia di Salvatore Di Giacomo, scritta nel 1885, messa in musica dal Maestro Mario Pasquale Costa.

4) O’ Sole Mio

Una canzone napoletana finita su Billboard Hot 100? Ce l’abbiamo, ed è proprio O’ Sole Mio. Incisa da Elvis Presley in inglese, col titolo di It’s now or never, resta in prima posizione dopo il lancio pubblico per cinque settimane. Il brano spopola in tutto il mondo negli anni ’60, ma la sua storia, come potete immaginare, è un po’ più datata.

Il testo risale infatti al 1898, firmato da Giovanni Capurro. La composizione musicale invece fu opera di Eduardo Di Capua.

Le origini di questa canzone si vocifera siano collegate alla reginetta di bellezza Anna Maria Vignati-Mazza.

Ma sapevate che il brano è ancora sotto copyright? Resterà infatti proprietà della casa discografica Bideri fino al 2042!

5) ‘O surdato ‘nnammurato

Che? Riusciamo quasi a vedere i non-campani (e forse anche qualche campano!) storcere il naso.

Non ne avete mai sentito parlare? Beh, vi sorprenderemo!

Questo è il titolo del brano che notoriamente viene riconosciuto come Oje vita, oje vita mia!, vero e proprio timbro di riconoscimento di Napoli, della sua città, e della sua squadra calcistica che, nel 2013, ha dichiarato questo brano, in una versione rivisitata, il proprio inno ufficiale.

Nelle celebrazioni da Roma in giù è un vero e proprio must, si festeggia cantando a squarciagola il ritornello di questa canzone. Le sue origini? 1915. L’autore del testo è Aniello Califano, la composizione musicale è invece firmata da Enrico Cannio.

O’ surdato ‘nnamurato è arrivata sul palco di Sanremo nel 2011, interpretata da Roberto Vecchioni, ma tra gli altri, hanno prestato la voce a questa canzone anche Enzo Jannacci e Massimo Ranieri.

E voi, le conoscevate tutte vero?

Fatecelo sapere in un commento, e magari suggeriteci come ampliare la nostra lista. Quali altre canzoni classiche napoletane sono imperdibili, secondo voi?

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Nina

Questo mese abbiamo deciso di dedicare Discovery Woman, la nostra rubrica sulle donne che hanno rivoluzionato il mondo attraverso la loro musica, a Nina Simone, una donna che ha utilizzato tutte le sue energie per gridare al mondo che equità significa giustizia. Black lives matter.

Eunice Kathleen Waymon nasce a Tryon, nella Carolina del nord. La bambina è la sesta di otto fratelli afroamericani. La passione per la musica è il motore che muove i suoi primi passi, e quelli delle sorelline. Le bambine ben presto iniziano a cantare in chiesa ogni settimana, si fanno chiamare Waymon Sisters.

Eunice cresce, il suo talento è sempre più evidente. Così, inizia a prendere lezioni di piano. Lezioni che vengono finanziate dalla comunità nera di Tryon, che la sosterrà economicamente anche in un secondo momento, e cioè quando il talento di Nina la condurrà a New York per completare la sua formazione musicale. Suona nei locali, canta mentre si accompagna al pianoforte, ispirandosi alle atmosfere già cantate da Billie Holiday. A New York conosce il jazz, e se ne innamora. A New York nascerà un’artista immortale, il giorno in cui Eunice Kathleen Waymon deciderà di cambiare il suo nome in quello che verrà scolpito nella pietra incrollabile del tempo. Nina Simone.

Perché, Simone? Perché Eunice era una ragazza piena di passione, brillante, acculturata, e decise di crearsi un nome d’arte omaggiando Simone Signoret, attrice e scrittrice francese, che amava alla follia. 

Nel 1958 debutta con il suo primo album, Little Girl Blue, la sua fama cresce. Nel 1960, la voce di Nina Simone è arrivata oltreoceano. I suoi singoli sono dei successi incontrastati nel Regno Unito e non solo: anche in Belgio e Paesi Bassi, Stati non anglofoni, le classifiche vengono dominate da questa ragazza nera di Tryon.

Ma mentre la sua carriera musicale decolla, c’è qualcosa che scatta dentro di lei. Era una bravissima pianista classica. Perché non è riuscita a fare successo come tale?

Il motivo recondito è nello specchio, e adesso diventa visibile più che mai.

Nina Simone è una ragazza americana che sognava di diventare una concertista classica. Ma essere una ragazza americana nera è sigillo di una regola scontata, una regola imprescindibile, una regola per cui il colore della tua pelle arriverà sempre prima di te e in qualche modo ti pregiudicherà.

E Nina se ne accorge. Se ne accorge per il sangue che, ancora negli anni ’60, viene versato, per gli afroamericani che vengono uccisi, per il suo sogno non realizzato appieno. La decisione è inevitabile: la sua musica parlerà per chi non può farlo e domanderà giustizia per un’equità che non c’è.

I testi da lei scritti sono espliciti, invitano alla rappresaglia anti-razzista. In Mississippi Goddamm denuncia il quadruplice omicidio di ragazze morte in un attentato a sfondo razziale. Old Jim Crow esprime tutta la crudeltà di un sistema vivo e vegeto che si millanta superato e che invece si strascicherà ancora per molti anni. L’impegno di Nina Simone diventa il suo obiettivo principale. Si avvicina alle posizioni di Malcolm X, del Black Power. Stringe un’amicizia proficua con l’attivista e drammaturga nera Lorraine Hansberry, scrittrice del romanzo A Raisin in the Sun, romanzo in cui si racconta battaglia legale della famiglia della scrittrice combattuta aspramente contro le leggi di segregazione razziale, a Chicago.

Persona dalla vastissima cultura, Nina Simone decide di reinterpretare anche voci del teatro. Attraverso Pirate Jenny, da L’opera da tre soldi di Bertolt Brecht, infatti, Nina dipingerà la protagonista del racconto come una donna che incita alla rivolta contro il sistema razzista.

Constatato lo scarso interesse delle forze speciali americane, FBI e CIA, nel risolvere le problematiche relative alle sperequazioni razziste, Nina decide di lasciare gli Stati Uniti, anche se questo abbandono comporta anche un allontanamento dalle scene per qualche tempo. Vivrà alle Barbados prima, e poi in Liberia, Egitto, Turchia, e persino in Europa. Vivrà infatti anche nei Paesi Bassi e in Svizzera.

Torna a farsi sentire per un breve periodo di tempo, e nel 1978 pubblica l’album Baltimore, con un omaggio ad un brano di Randy Newman, musicista noto per i suoi testi satirici e graffianti, oltre che per le sue colonne sonore (è infatti l’autore della nota colonna sonora che anima la saga disneyana Toy Story –Sì, sto proprio parlando di Hai un amico in me!). Si ritira a vita privata nuovamente fino a quando Chanel, negli anni ’80, utilizza un suo brano come sottofondo per uno spot: My Baby Just Cares For Me. La traccia era ormai vecchia di trent’anni, ma rispolverarla si dimostra una mossa vincente: ecco che Nina Simone ritorna in testa e senza troppo sforzo in cima alle classifiche europee di Gran Bretagna, Paesi Bassi, Svizzera, Austria e Francia. I suoi dischi sono richiesti e ristampati a migliaia.

Nina allora decide di riprende a fare musica, e il nuovo album viene celebrato con un’ode al suo ritorno Nina’s Back, che viene rilasciato nel 1989, seguito quasi immediatamente da Live&Kickin, album di musica dal vivo registrato a San Francisco.

Durante la sua incredibile vita, si è sposata due volte, ha avuto una figlia. È stata vittima di discriminazioni, abusi, ha perso il suo compagno nel 1980, C.C. Dennis, ammazzato da un criminale.

È morta a Carry-le-Rouet, in Francia, nel 2003. L’ha portata via un tumore al seno, dopo una lunga ed estenuante lotta. L’ennesima della sua vita.

Il suo ultimo desiderio era farsi cremare, perché le sue ceneri potessero essere sparse in Africa. La terra da cui i suoi antenati furono strappati, per essere condotti altrove, dove sarebbero stati schiavi, e da schiavi sarebbero passati ad indesiderati, emarginati, segregati.

Nina Simone trascorse tutta la sua vita battendosi perché la giustizia trionfasse. Purtroppo è morta prima che il suo sogno, quello di Martin Luther King, quello di tutti gli altri attivisti neri che combatterono al suo fianco, fosse realizzato.

Il nostro dovere, in quanto amanti della musica, in quanto amanti dell’arte, del bello, è perseguire e combattere ancora per quel sogno, che è il sogno di tutti. Senza giustizia, non c’è libertà.

Le vite dei neri contano. Contavano allora e contano adesso.

E Nina Simone, questo, lo sapeva molto bene.

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Rising Sounds: Due Chiacchiere (online) con Valentina Polinori

Rising Sounds è la rubrica di SLQS dedicata agli artisti emergenti!

Valentina Polinori è una giovane cantautrice romana. Ha pubblicato da poco il suo secondo album, “Trasparenti”, di cui ha scritto testi e musica. Per gli amanti di Björk, Meg ed Elisa sarà amore al primo ascolto. La voce di Valentina è dolce, sognante, e le sue parole scorrono con incisione e delicatezza.

Cliccate qui per ascoltare il suo singolo “Bosco”.

La nostra chiacchierata è fissata per le 11 in punto di un lunedì mattina molto speciale per il nostro Paese, l’Italia sta iniziando a piccoli passi la sua ripresa.

Ma ecco che i mezzi digitali, sui quali abbiamo affidato ogni momento dei passati due mesi, ci abbandonano, e dopo qualche goffo ed inefficace tentativo di lotta titanica ed achabiana con la tecnologia, finalmente l’allegra suoneria di Skype ci informa che non tutto è perduto.

Valentina ride, e nel giro di pochi attimi da una banale, e forse un po’ freddina, intervista, si passa ad una chiacchierata esplorativa, che, proprio come le sue canzoni, lascia entrare in un mondo familiare e allo stesso tempo tutto nuovo.

Come stai, Valentina?

Mah, devo dire che adesso sto piuttosto bene. Certo, sono stati dei mesi difficili, ma sono assolutamente in ripresa. Ho vissuto la quarantena da sola, quindi devo ammettere che è stato un po’ impegnativo. Adesso però sto rivedendo tutte le persone a me vicine ,quindi sono molto contenta.

Iniziamo a parlare di musica. Ci sono per caso degli artisti italiani, o anche internazionali, a cui ti ispiri?

Non parlerei tanto di ispirazione. Ascolto moltissima musica, tanti cantautori. Forse recentemente, rispetto al passato, ascolto un po’ meno musica italiana, ma tra i miei preferiti sicuramente ci sono i cantautori classici italiani, come Dalla, o Samuele Bersani. Negli ultimi tempi anche Colapesce, e cantautori indie, come Gazelle. Non so se li definirei punti di riferimento, ma tutti gli artisti che sento sono parte del mio mondo.

Quindi anche i tuoi gusti musicali spaziano molto.

Assolutamente. Dall’hip-hop al jazz, al rock!

Riusciresti a scegliere un tuo artista preferito?

Oddio! In passato forse ti avrei detto i Daughter, loro mi piacciono molto. Però oggi mi rendo conto che ascolto e amo tanti di quei musicisti che una risposta netta sarebbe difficile!

Adesso parliamo di te come artista. Come nasce un tuo pezzo?

Non c’è un vero procedimento costante. Ci sono delle idee che possono nascere in qualsiasi momento, ovunque mi trovo. E appena posso, ecco che provo a scrivere accordi e melodia. Tendenzialmente, se scrivo prima il testo, forse il processo è più veloce, perché ho già un’idea in mente. Ma è diverso per ogni volta.

Dipende tanto anche dal periodo, in effetti. A volte mi metto lì e scrivo, e altre volte no, è molto variabile.

Com’è stato, invece, il tuo percorso nel mondo della musica?

Ho iniziato da piccolina a studiare pianoforte, e ho fatto un anno di conservatorio da adolescente. Poi, però, ho lasciato e ho iniziato a studiare la chitarra da autodidatta, intorno ai vent’anni. Da lì, ho iniziato a scrivere i pezzi, gradualmente. È iniziato tutto davvero quando mi sono approcciata alla chitarra.

Parliamo del tuo futuro. C’è già qualcosa in programma?

Sì! Sto scrivendo delle cose nuove, e spero di far uscire qualcosa di molto presto a dire il vero. Non so ancora se un disco o qualcosa di singolo. Cerco sempre di tenermi attiva, non mi sono mai fermata. Vi aggiornerò!

La vita tra mondo della musica e mondo esterno alla musica può portare ad esperienze molto diverse. Qual è il ricordo più bello della tua vita tra palco e accademie?

Quando ero all’università ero un po’ meno attiva a livello musicale. Quello che poi è andato a combaciare con la musica per davvero è stato il mio lavoro. A volte è difficile mettere la stessa energia in entrambe le cose, ma devo anche dire che è una gran bella soddisfazione quando alla fine della giornata lavorativa riesco a suonare e dare il massimo. È una sensazione bellissima, quindi penso proprio sia questo.

Hai vissuto in diverse città d’Europa. Ce n’è forse una in cui sei riuscita a sentirti più a tuo agio come artista? Più compresa, musicalmente parlando?

In realtà, ti dirò, Roma offre un ambiente molto ricco. E quindi sì, direi Roma. Scrivendo in italiano è anche più semplice trovare qualcuno che possa comprenderti, non solo per un ascolto superficiale. Ma devo dire che due anni fa mi è capitato di suonare a Vienna, una mia amica mi ha invitato lì per partecipare ad un evento. Ed è stato molto bello, perché spiegavo in inglese di cosa avrebbero parlato i pezzi che poi ho cantato in italiano, e c’è stato un ascolto molto attento, molto particolare. Incredibilmente, fuori dall’Italia, Vienna!

Di tutto il tuo percorso, c’è qualcosa che rifaresti?

Tutto. Non c’è qualcosa di cui mi pento, anzi, a dire il vero forse faccio anche troppo! In fondo, tutte le scelte che ho fatto le ho fatte perché spinta dal desiderio di arrivare ai miei obiettivi. Quindi non ho rimorsi per aver rinunciato a qualcosa, né rimpianti per cose che non rifarei. Tutto mi ha portato là dove volevo andare.

Qual è il sogno nel cassetto di Valentina Polinori-cantautrice?

Continuare a suonare e scrivere il più possibile. Voglio farlo per sempre. Certo, in generale vorrei che la passione restasse viva. Se quella rimane, voglio continuare a suonare.

L’intervista è finita, ma Valentina ha detto una frase che mi ha molto colpito. È il bello degli scambi tra la gente, non sai mai dove possono portarti. Mi prendo un momento, e così, fuori programma, parliamo di passione per la musica e vita reale.

Il concetto di cui hai parlato adesso è molto interessante. “Vorrei che la passione restasse viva”. Per quanto sembri impossibile, infatti, non sempre musica e passione vanno di pari passo. E non tutti suonano per passione. In fondo, è la conseguenza naturale delle cose per chi ha scelto di farne un lavoro diverso da quello di scrittura e produzione di musica inedita.

Beh, lavorare in un altro ambito forse ti permette di mantenere nella musica un’attitudine particolare. Che sia il più possibile positiva. Non voglio crearmi aspettative ingombranti, ma voglio fare quello che mi va di fare. La mia musica è tutta passione, lo faccio per quella. È difficile, ma è il motore fondamentale.

La nostra chiacchierata si conclude sorridendo. È stata una conversazione di quelle che alla fine ti lasciano serenità, perché ci si sente arricchiti. Così io e Valentina ci salutiamo, ritornando al nostro lunedì nelle rispettive città, ringraziando i mezzi digitali per non averci ostacolate dopo i singhiozzi iniziali, e soprattutto aspettando di ascoltare le novità che ci ha promesso, in attesa di poterci incontrare, questa volta di persona, per la prossima intervista.

(Tutte le foto sono di Davide Fracassi)

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Napoli Liberata

9 maggio. Un motivetto fischiettato si è legato inscindibilmente a questa data, ed in qualche modo l’ha resa simbolo di una celebrazione di Napoli, che in quelle poche note ha recuperato la dignità di essere. Per questo, oggi, abbiamo deciso di dedicare un articolo a Liberato, l’anonimo cantante in felpa scura che sta spopolando sul web da ormai tre anni.

Una rosa bianca su sfondo nero. Si firma così, e nessuno ne conosce il volto.

Liberato compare per la prima volta il 14 febbraio del 2017. Cattura l’attenzione di una fascia di ascoltatori, e nel corso di quello stesso anno, mentre i suoi pezzi a poco a poco acquistano una popolarità sempre maggiore, il volto di questo giovane cantante resta un mistero.

Speculazioni sulla sua identità non tardano ad ammassarsi, le correnti di pensiero si spaccano tra loro, alimentate dalla confusione e da abili giochi probabilmente ideati dal management dell’artista: sarà Calcutta? Livio Cori? Esiste davvero Liberato?

Passano i mesi, nessuno lo scopre. Iniziano le esibizioni dal vivo, e durante tutti i suoi concerti Liberato è accompagnato sempre da diversi sosia, che ne impediscono l’identificazione. Persino durante il suo spettacolare ingresso al primo concerto in assoluto, 9 maggio 2018 (e chi scrive, quel giorno, era presente), Liberato raggiunge il palco allestito a Napoli, sul Lungomare, tramite una barchetta, sulla quale però non viaggia da solo: insieme a lui, infatti, ci sono altri cinque “Liberato”, rigorosamente in felpa e a viso coperto.

In un’unica intervista, concessa a Rolling Stones tramite e-mail viene confermato il suo nome e la città natale, Napoli. Tutto qui. L’anonimato viene conservato con aura sacralità.

Ed anche noi di Smells Like Queen Spirit rispetteremo questa sacralità.

Oggi, infatti, non discuteremo del giallo che a tutti i costi mira a smascherare il volto nascosto sotto il cappuccio dell’ormai iconica felpa scura, no. Oggi parleremo del motivo per cui Liberato è essenziale per la rivalutazione di Napoli e della Campania, per la visione sia intrinseca che estrinseca di questa regione.

La storia di Napoli, di glorie storiche passate, di esoterismo e poesia, perde rovinosamente gli splendori antichi a partire dall”800. In seguito all’Unità d’Italia, quelle pagine di fasti si arricchiranno di rovinosi dissesti, organizzazioni e gestioni disastrose, così come un po’ dovunque in tutto il Sud del nostro Paese.

Nell’immaginario comune, Napoli è troppo spesso legata a preconcetti e pregiudizi. C’è crimine, immondizia, c’è paura, povertà. C’è sole, mare, pizza, cuore. Gente retrograda, pigra.

Macchiette che si appiccicano alla nostra provenienza, che delegittimano il diritto di essere individui con le proprie peculiarità.

Certo, purtroppo, queste considerazioni sono radicate un po’ dovunque, sia fuori dai confini campani che al proprio interno.  

Ma perché ne parliamo su un magazine musicale? In che modo Liberato e la sua musica elettronica indie-pop e catchy si legano a questo discorso?

Perché Liberato e la sua musica elettronica indie-pop e catchy hanno restituito a Napoli il rango di città reale. Come?

Testi che recuperano letterature passate e presenti, e che a tratti ricordano le ambientazioni all’interno delle Leggende Napoletane raccolte da Matilde Serao, che raccontano storie magistralmente portate alla vita dai video-clip eccezionali diretti da Francesco Lettieri.

Sullo sfondo di paesaggi magnifici, i personaggi di diversa astrazione sociale ritratti, ora con crudezza, di tanto in tanto volgarità, sopra ogni cosa ostentano una disarmante normalità.

In che modo? Non ritraendo altro che banale, banalissima vita quotidiana.

La vita di chiunque. Dell’uomo comune. Che non è speciale, non è unico, è uno fra tanti.

Ed essere uno fra tanti è un enorme lusso, e a Napoli, ai “personaggi di Napoli”, brutalmente depauperati dell’essere da sé, in funzione dell’essere-in relazione allo stereotipo, questo lusso non era concesso.

Ma Liberato ha cambiato questa condizione.

Perché in quei testi, in quei video-clip, finalmente Napoli smette di essere antologia di stereotipi e riacquista la dignità di una città vera, una città in cui si vive e si ama, si odia, si sbaglia. Scevra dai dettami di chi la vorrebbe una città di assoluta povertà o assoluti sorrisi, di crimini e scippi o sole e mare, questa Napoli fischia, si rivela, mentre il suo menestrello resta a volto coperto, suggellando un’alleanza mirata alla liberazione totale da quei clichés stucchevoli e melensi che ne vedrebbero solo lati positivi o al contrario negativi.

Il potere della musica si manifesta riverberando ed imponendosi anche sull’immaginario comune. È il miracolo dell’arte, e l’arte opera attraverso vie superiori.

Con la sua musica neppure troppo elaborata, non così complessa, non così aulica, Liberato ha liberato Napoli, e noi per questo lo ringraziamo. A volto scoperto.

A nome di tutti i figli di Partenope, quelli vicini e quelli lontani.

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5 dischi imperdibili di Avishai Cohen

(Immagini prese dal web.)

Auguri, Avishai! Ieri il grande contrabbassista israeliano ha compiuto 50 anni. Per festeggiarlo, ecco a voi cinque imperdibili titoli da ascoltare, presi dalla sua discografia.

Definito da Chick Corea “un musicista geniale”, Avishai Cohen è una leggenda vivente del contrabbasso. Nato a Kabri, comune kibbutz nella parte a nord in Israele, ha costellato in breve la sua carriera di successi e collaborazioni stellari: suona al fianco del già citato Chick Corea dal 1996 al 2003, Danilo Pérez, Bobby McFerrin, Alicia Keys e molti altri.

L’Avishai Cohen Trio, nel quale suonano Shai Maestro al pianoforte e Mark Guiliana prima e Itamar Doari dal 2010 in poi, è forse il progetto più brillante del contrabbassista.

Oggi, la nostra redazione, vi consiglia questi titoli imperdibili:

1) Adama (1998)

Primo Album di Cohen, tutti i brani portano la sua firma a parte uno: Besame Mucho.

Nell’album hanno suonato, tra gli altri, Chick Corea, Brad Mehldau, Jeff Ballard.

2) Gently Disturbed (2008)

 Influenze di epoche e Paesi diversi si mescolano nelle complesse ritmiche di questo album, che riesce allo stesso tempo a restare bellissimo. Un vero must per gli amanti del jazz.

3) Aurora (2009)

In Aurora ci sono tutti gli impulsi culturali che hanno accompagnato Avishai nella sua vita. Troviamo diversi idiomi e atmosfere di diverse aree geografiche.

4) Seven Seas (2011)

Anche in questo album, Cohen si riconferma un musicista eclettico ed un compositore sublime.

5) 1970 (2017)

In questo album la vena è decisamente più pop e folk, e forse meno jazzistica rispetto agli altri, e una cosa è certa: restare fermi durante l’ascolto sarà impossibile. Avrete voglia di ballare sin dalle prime note di Song of Hope.

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Nick La Rocca, il padre del Jazz

New Orleans, 1916. Nick La Rocca, giovane cornettista di origini trapanesi, assieme ad altri cinque musicisti italoamericani, fonda una band che cambierà per sempre la storia della musica: l’Original Dixieland Jass Band.

Si dice che il jazz sia nato a New Orleans. Ma, per quanto questa informazione sia quasi dogmatica, ogni appassionato lo sa bene: la storia non è così semplice.

Il seme del jazz è emerso dai canti di lavoro che animavano i discendenti degli schiavi africani nei campi di cotone dei grossi latifondisti nel caldo Sud degli Stati Uniti; è nato dalla forza che la musica poteva dare ai disperati e agli emarginati, agli ultimi, agli oppressi, alla massa silenziosa che era braccia e gambe di un Paese intero, a cui non era neppure riconosciuta la dignità di esseri umani.

Il jazz è nato da strumenti ricavati da zucche e scatole sistemate alla buona, suonato da bambini nei pressi di Barbershop con le rotelle a righe girevoli e colorate.

La commistione tra la più viscerale e brutale musica istintiva blues, unitasi alla raffinatezza ed eleganza della musica classica di tradizione secolare, ha dato origine ad una forma sublime di arte che non ha mai smesso di evolvere.

Espressione più incredibile dell’unione dei due emisferi mondiali, la musica jazz ha strabiliato e ancora continua a farlo, attraverso il passato e il futuro.

Ma allora come mai, con così tanta convinzione, spesso si afferma la teoria secondo cui la nascita del jazz sarebbe collocata proprio a New Orleans?

Perché, tecnicamente, è proprio New Orleans la città in cui si parla per la prima volta di “jass.

Ma adesso facciamo un passo indietro, ed andiamo a conoscere Nick La Rocca, conosciuto anche come “il padre del Jazz”.

Nato l’11 aprile 1889 a New Orleans da Girolamo e Vita La Rocca, siciliani entrambi emigrati in Louisiana, dove era presente una grande comunità di italo-americani, Nick era figlio d’arte: anche suo padre era infatti, come lui, un cornettista. Ma, come spesso succede, Girolamo non era molto entusiasta di sapere che suo figlio aveva intenzione di diventare un musicista, e finché rimase in vita, gli impedì di dedicarsi allo strumento a tempo pieno.

Quando però ebbe la possibilità di dare sfogo alla sua passione, Nick infiammò la sua cornetta.

Iniziò a comporre dei brani, ed esibirsi per gli amici del quartiere e del teatro vicino la sua casa, fino a quando, un giorno, fu notato da Johnny Stein.

Ben presto però, Nick iniziò a desiderare l’indipendenza. Era giovane, talentuoso, ambizioso: voleva una band tutta sua, in cui dare sfogo alle idee creative. Qualcosa per cui essere ricordato.

E così, nel 1916, staccandosi da Stein, fondò un quintetto con altri quattro musicisti italo-americani.

Ed in quel preciso momento venne scritta la storia.

La band prese il nome di Original Dixieland Jass Band.

E, nel 1918, Nick, confermandosi il leader della band, cambiò la parola jass con jazz.

Scegliendo “jazz” anche come nome per il genere che suonavano, La Rocca se ne assicurò l’associazione perpetua col proprio nome. La O.D.J.B, infatti, viene ancora considerata, ufficialmente, la prima jazz band al mondo, produttrice anche, ovviamente, del primo album jazz, esportatrice inoltre della “nuova musica” nel vecchio continente.

Il gruppo di La Rocca, infatti, suonò nel 1919 a Londra per festeggiare la firma del Trattato di Versailles, e davanti alla famiglia reale di Re Giorgio V (grande amante della musica moderna).

In modo forse poco umile, ma sicuramente calzante, Nick amava definirsi il “Cristoforo Colombo della musica”.

Dopo aver costellato con successi straordinari la sua carriera, essere diventato padre di sei figli, La Rocca si spense a 72 anni, nella città in cui era nato ed in cui tutto era iniziato.

Ancora oggi la sua leggenda viene raccontata dagli studiosi e celebrata in numerosi festival, anche nel nostro Stivale. Dal 2002, infatti, ogni anno, nel mese di settembre, a San Giorgio a Cremano (NA) si organizza il Nick La Rocca Jazz Festival, rassegna incentrata interamente sulla musica jazz nostrana e d’oltreoceano.

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5 cose che non sapevi su Eric Clapton!

English version below

Ieri, Eric Clapton, leggenda vivente del blues, ha compiuto 75 anni. Un compleanno importante! Festeggiamolo insieme, scoprendo 5 curiosità sul grande cantante e chitarrista che ha infiammato, ed ancora infiamma, la storia della musica.

1) Credeva di essere il fratello di sua madre

Non si tratta della trama di una soap di basso livello! È tutto vero: il piccolo Eric Clapton credeva che i nonni materni fossero i suoi genitori, e che sua madre, Patricia Molly, fosse sua sorella. La donna aveva partorito Eric all’età di sedici anni, ed il padre era un soldato canadese che fece ritorno in patria prima della nascita del bambino. Patricia Molly si trasferì in Germania quando sposò un altro soldato, ed Eric rimase coi nonni a Ripley, nel Surrey (UK).

2) Ha avuto un figlio con la modella italiana Lory Del Santo

Lory Del Santo, fiera icona del trash italiano, che ha raggiunto un enorme pubblico nell’ultima decade soprattutto grazie alla produzione della web-series The Lady, è stata una compagna di Eric Clapton. I due hanno avuto un bimbo che purtroppo è venuto a mancare in tenera età. A lui, Clapton ha dedicato la canzone “Tears in Heaven”.

3) Il suo soprannome è Slowhand (it. “Mano lenta”)

Questo soprannome, ufficializzato come titolo di un suo album (1977), gli venne dato da Giorgio Gomelsky, manager degli Yardbirds, nel 1964. Pare che derivi dal fatto che, suonando molto velocemente, Eric era solito rompere la corda del Mi cantino durante i concerti. Secondo un’altra teoria, il soprannome sarebbe riferito al fatto che Clapton sia molto lento nel sostituire le corde della chitarra.

4) Fu un grande amico di Jimi Hendrix

Clapton ed Hendrix si conobbero al Central London Polytechnic, in Regent Street. Era il primo ottobre 1966. Jimi, al secolo James Marshall Hendrix, era un grande fan dei Cream e chiese di esibirsi sul palco con loro suonando Killing Floor. L’esibizione fu un successo.

Clapton si legò a quel giovane chitarrista e non perse mai occasione per suonare insieme a lui da quel momento in poi.

Dopo la sua morte, per onorarlo, Clapton aprì molti dei suoi concerti suonando Little Wing.

5) È l’unico chitarrista al mondo presente per 3 volte nella Rock’n’Roll Hall of Fame

Ebbene sì! Clapton appare per ben tre volte nella prestigiosa Rock’n’Roll Hall of Fame, l’ultima è recentissima e risale al 6 marzo 2020, vinta in qualità di artista solista. Gli altri inserimenti risalgono al 1992, in qualità di membro degli Yardbirds e l’altra in qualità di fondatore dei Cream.

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5 things you didn’t know about Eric Clapton!

Yesterday, the living legend of Blues Eric Clapton turned 75. A very important birthday! Let’s celebrate it together, finding out 5 curiosities about the great singer and guitarist who put history of music on fire, and still he does.

1) He believed he was his mother’s brother

This is not the plot of a poorly written soap opera! It’s all true: young Eric Clapton believed that his maternal grandparents were his parents, and that his mother, Patricia Molly Clapton, was his sister. She had given birth to Eric at the age of sixteen, and his father was a Canadian soldier who returned home before the birth of the boy. Patricia Molly moved to Germany when she married another Canadian soldier, and Eric stayed with his grandparents in Riley, Surrey (UK).

2) He had a son with Italian model Lory Del Santo

Lory Del Santo, proud icon of Italian trash, which has reached a huge audience in the last decade mainly thanks to the production of the web series The Lady, was a companion of Eric Clapton. The two even had a son, who sadly passed away at an early age, Clapton dedicated the song “Tears in Heaven” to his son.

3) His nickname is Slowhand

This nickname, made official as the title of one of his albums (1977), was given to him by Giorgio Gomelsky, manager of the Yardbirds, in 1964. It seems that it derives from the fact that, playing very quickly, Eric used to break the high-E string during the concerts. According to another theory, the nickname would refer to the fact that Clapton is very slow in replacing the guitar strings.

4) He was a close friend of Jimi Hendrix’s

Clapton and Hendrix met at Central London Polytechnic, on Regent Street. It was October 1st 1966. Jimi, aka James Marshall Hendrix, was a huge Cream fan and asked to perform on stage with them playing Killing Floor. The performance was a success. Clapton bonded with that young guitarist and never missed an opportunity to play with him from then on.

After his death, to honor him, Clapton opened many of his concerts playing Little Wing.

5) He is the only guitarist in the world with 3 entries in the Rock’n’Roll Hall of Fame

Well yes! Clapton appears three times in the prestigious Rock’n’Roll Hall of Fame, the last one is very recent and dates back to March 6th 2020, won as a solo artist. The other entries date back to 1992, as a member of the Yardbirds and the other as a founder of Cream.

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